Il “Dannato vivere tour” ha fatto tappa al PalaOlimpico di Torino, con l’organizzazione di Setuplive.

La struttura è certo enorme, ma sufficientemente versatile per far sentire il calore del pubblico a chi calca il palco. Il colpo d’occhio, nonostante il gelo, la neve e la crisi era di quelli che scaldavano il cuore ed il concerto è stato davvero entusiasmante. Incredibile l’eterogeneità dei fan, a testimoniare come la buona musica accontenta veramente tutti, dall’adolescente all’adulto entrato irrimediabilmente negli “anta”. Il loro pop-rock è in grado di regalare emozioni forti e prolungate, perché alterna momenti di tensione a melodie sognanti.

Partiamo dalla produzione del tour, che ha messo in pista un palco avveniristico, con un intreccio di luci e fumi. Una lunga penisola, che ormai sembra diventata un “must” per tutti gli artisti più affermati, terminava a strettissimo contatto con i fan, a poco più di un metro di altezza da terra. Sopra un Pau in splendida forma, pronto a cantare e contorcersi in pose decisamente teatrali. Al suo fianco, come degno contorno, Francesco Li Causi “Franky” con il suo basso e Enrico Drigo Salvi con la chitarra, che si alternavano nelle scorribande in passerella. Sullo sfondo il resto della band.

La scaletta è stata una lunga cavalcata a percorrere la storia del gruppo aretino, partendo da “Cambio”, primo singolo pubblicato, fino a “Il giorno delle verità”, che è l’ultima creatura. Complessivamente sono stati proposti 26 brani, che hanno ricordato come sia ricca la produzione dei ragazzi toscani.

Cosa ricordare dell’esibizione? Un po’ tutto, ma in particolare ci ha impressionato il bis, che ha regalato ben 7 pezzi, con un finale da fuochi d’artificio. Con “Junkie beat” i Negrita hanno dimostrato come il nuovo album sia assolutamente in linea con le tradizioni passate; in “Transalcolico”, invece è emersa prepotente la maturità di Pau, che in qualche modo condanna la trasgressività del testo; “Sex” ha lasciato trasparire le movenze erotiche del frontman, impegnato in un amplesso virtuale; “Ho imparato a sognare” ha regalato quella ballata tanto Ligabue style, che pare ogni volta un tributo a chi in qualche modo li ha “sdoganati” dall’underground; “Dannato vivere” ha, invece, siglato l’ideale passaggio di testimone tra il nuovo che avanza e l’usato di successo, quali sono “Mama maè” e “Gioia infinita”, che hanno concluso una bellissima serata.

(Vincenzo Nicolello)

SETLIST:

Cambio;

Fuori Controllo;

Il libro in una mano la bomba nell’altra;

Che rumore fa la felicità;

Immobili;

Radio Conga;

Bambole;

Salvation;

L’uomo sogna di volare;

Il giorno delle verità;

La vita incandescente;

In ogni atomo;

Brucerò per te;

Un giorno di ordinaria magia;

Rotolando verso sud;

Magnolia;

Notte mediterranea;

A modo mio;

Splendido;

Junkie beat;

Transalcolico;

Sex;

Ho imparato a sognare;

Dannato vivere;

Mama maé,

Gioia infinita

Questo è un po’ quello che è accaduto alla Locanda delle Fate, band piemontese, che in piena esplosione prog, iniziò a produrre musica di alto livello, al pari di altri gruppi dell’epoca. L’avventura si concretizzò con un Lp “Forse le lucciole non si amano più”, che ottenne un buon successo. Disco che ancora oggi è un vero e proprio “cult” tra i fan del prog giapponese. Quando stanno per finire gli anni ’70, il genere va in crisi e così anche le Fate, decidono di percorrere altre strade, non necessariamente legate alla musica. Tutto rimane in naftalina fino al 2010, quando i ragazzacci si ridestano e tornano con un trionfale concerto in occasione di Asti Musica.

Da quel momento, riparte la storia della band, che diventa protagonista in varie session live, prendendo parte a festival prog. L’appetito, vien mangiando, e così arriva anche il nuovo disco, il secondo della loro storia, “The missing fireflies”.

Proprio per presentare questo lavoro, composto da pezzi storici mai incisi e da un “bootleg” di ottima qualità, registrato in occasione di un concerto, la Locanda ha organizzato lo scorso 4 febbraio un live presso il Teatro Alfieri di Asti.

La sala è gremita, con un pubblico eterogeneo, fatto di tanti storici fan e da nuove generazioni, che hanno scoperto la forza del gruppo. La location regala un valore aggiunto ad un’esibizione di ottima qualità.

Leonardo Sasso alla voce, Luciano Boero al basso, Max Brignolo alla chitarra, Oscar Mazzoglio e Maurizio Muha alle tastiere e Giorgio Gardino alla batteria, hanno dato fondo a tutte le loro energie e gli applausi si sono sprecati.

La scaletta, dopo l’intro, “A volte un istante di quiete”, prosegue con il loro singolo più celebre: “Forse le lucciole non si amano più”. Il suono è tosto e pieno, ottimo il mixaggio. Leonardo Sasso, dopo un po’ di rodaggio si scalda e l’esibizione entra nel vivo. Via via vengono snocciolati i brani, intervallati dalle parole di presentazione di quanto stanno proponendo. Ci vuole circa un’ora per arrivare a “Crescendo”, primo estratto del nuovo disco. Il pezzo è tosto. Sebbene abbia 30 anni, graffia e convince, così come piace tutta la setlist che segue.

Da segnalare “Homo Homini Lupus”, altra chicca della Locanda, il cui testo è scritto in latino. Sasso, con la sua grande presenza scenica, si presenta con una maschera da Lucifero, quasi a spiegare cosa vogliano dire le parole che sta interpretando.

Siamo agli sgoccioli del concerto, ma c’è ancora lo spazio per altre soprese. Innanzi tutto arriva un “R.I.P”, che la band dedica al Banco del Mutuo Soccorso e a tutto il movimento prog italiano. Poi, per il bis arriva il brano che la Locanda ha inciso per l’allora “major” Polydor: il medley “New York-Nove Lune”. L’ultimo regalo è l’ennesima poesia di Alberto Gaviglio, “Vendesi Saggezza”. Il pubblico torna a casa entusiasta, le “fate” si preparano per un volo transcontinentale. Saranno a Tokyo con il loro prog, insieme ai Pooh e alla Formula Tre, giusto per testimoniare come nella terra dei samurai, Italians do it better.

(Vincenzo Nicolello)

Setlist:

A volte un istante di quiete

Forse le lucciole non si amano più

Profumo di colla bianca

La fine

Sogno di Estunno

Crescendo

Sequenza circolare/La giostra

Cercando un nuovo confine

Non chiudere a chiave le stelle

Homo homini lupus

R.I.P.

New York/Nove lune

Vendesi saggezza

Sono passate da poco le 21.30 quando Dan e Patrick salgono sul palco dell’Alcatraz, dopo il set del gruppo spalla Portugal. The Man. Il cantante e chitarrista con la sua giacca di jeans, il batterista con un look militare (guarda qui la photogallery del concerto). Dietro  di loro, quasi fossero una cornice, i due turnisti Gus Seyffert e John Wood, rispettivamente al basso e alla tastiera. Parte il primo pezzo in scaletta, la funkeggiante “Howlin’ for you”. Batteria e basso sugli scudi, Dan Auerbach non ancora caldissimo alla voce. L’inizio del set è ad alta velocità. Ecco il singolo “Next girl”, estratto da “Brothers”, la più recente “Run right back” e “Strange times”. Un bell’inizio, ma manca qualcosa. Non si fa in tempo a pensarlo, che Dan e Patrick dopo “Dead and gone” e “Gold on the ceiling” congedano i turnisti e annunciano “Adesso vi facciamo qualche pezzo vecchio noi due”. E qui le cose cambiano non poco.

Cambiano perché Dan Auerbach, finalmente si lascia andare. Cambiano perché la sequenza che segue con “Thick freakness”, “Girls on my mind”, “I’ll be your man” e soprattutto “Your touch”, è davvero di alto livello. Arrivano riff di chitarra che citano Jimi Hendrix, ma vanno forse ancora più indietro fino alle foci del Mississippi. La batteria di Carney è meno addomesticata, ma più incisiva. I due si avvicinano, suonano guardandosi dritti negli occhi. E da qui in poi per i Black Keys, ma soprattutto per il pubblico, è tutto in discesa.

Al ritorno della band infatti ecco una bella versione di “Little black submarines”, un chiaro omaggio a classici come “Stairway to heaven” e “House of the rising sun”. “Money maker” è rock ruvido al punto giusto, mentre “Chop and chance”, contenuta nella colonna sonora di “The Twilight Saga: Eclipse”, si arricchisce di un bell’assolo di organetto. Insomma, i motori si sono scaldati e la macchina dei Black Keys è ormai inarrestabile.

A questo punto, per chi scrive, arriva il momento più emozionante della serata: “Ten cent pistol”, ballata soul che sembra rubata a Marvin Gaye,  è lunga e ammaliante. Auerbach la canta in modo quasi sensuale. Verso la fine il pezzo si ferma, le luci sul palco si spengono per diversi secondi, per poi ripartire all’improvviso sul finale. Banale, dirà qualcuno. E’ vero, ma stupisce il modo in cui i Black Keys riescano a rendere anche le cose semplici così emozionanti. A chiudere il set regolare arriva il singolo “Lonely boy”, cavalcata rock vecchio stile veramente irresistibile. E allora il pubblico dell’Alcatraz, anche e soprattutto quello più giovane, semplicemente balla e si diverte.

I bis si aprono con una sorpresa: c’è una luce stroboscopica calata dal soffitto, proprio durante l’esecuzione di “Everlasting light”, una canzone tutta falsetti e ammiccamenti. Che è successo ai Black Keys? Sono dei discotecari? No, ovviamente, ma è il momento più felicemente kitsch della serata. Per il gran finale tocca invece a “I got mine”, ancora una volta uno spartito per sola chitarra elettrica e batteria. E ancora una volta Dan e Patrick ci mettono l’anima, quasi torturando il pezzo, esasperandolo. Fino al finale, quando la tenda alle loro spalle si abbassa e appare la scritta iluminata “The Black Keys”. Altro trucco a metà tra l’ironia e la voglia di grandeur. Fine della corsa, tutti a casa tra gli applausi.

In tempi in cui si parla tanto di “morte del rock” e di crisi della musica alternativa, che non nascondiamoci non scoppiano di salute, questi due dall’Ohio sono francamente una consolazione. Non hanno inventato nulla, obietteranno i detrattori. Ma il rock, spesso, è soprattutto questione di sentimento. E Dan e Patrick ne hanno da vendere e, soprattutto, riescono a trasmetterlo. I Black Keys sono la prova che questo genere, pur bistrattato e forse ridimensionato, è ancora vivo. E si spera che lo resterà, a lungo.

(Giovanni Ansaldo)

Scaletta:

Howlin’ for you

Next girl

Run right back

Strange times

Dead and gone

Gold on the ceiling

Thick freakness

Girls on my mind

I’ll be your man

Your touch

Little black submarines

Money maker

Chop and change

Same old thing

Nova baby

Ten cent pistol

Tighten up

Lonely boy

Encore:

Everlasting light

Long gone

I got mine

I quattro Red Fang, sudati e felici, ringraziano e introducono il set dei Mastodon nel miglior modo possibile. La speranza è di rivederli quanto prima, magari per una serata a loro esclusivamente dedicata.

Capitolo Mastodon: è sempre un piacere farsi piallare le orecchie dalla band di Atlanta. Disco nuovo fiammante sugli scudi, il buon “The hunter” pubblicato a settembre 2011, e quattro fratelli maggiori pronti a coprirgli le spalle. Risultato? Ventitré i pezzi in scaletta pescati magistralmente dall’intera discografia, un’ora e quaranta di furia cieca. Ottima la resa live: i ragazzi sono in palla, la band è rodata e gira come si deve, e si capisce già dalle prime battute, nello specifico “Dry bone valley”, “Black tongue” e “Crystal skull”, quale sarà il piglio della serata. Milano risponde con una platea furibonda: pogo costante e cori allo sfinimento. Altro che terremoto…

Troy Sanders e Brann Dailor sembrano i più attivi sul palco. Il primo offre un campionario di smorfie degne del miglior Luca Ferrari. Il secondo ha il suo bel da fare nell’aizzare una platea già comunque carica a mille. Più defilati invece Brent Hinds e soprattutto un particolarmente arcigno Bill Kelliher. Poco male: “Colony of birchmen”, “Megalodon”, l’ottima “Blasteroid”, e la doppietta micidiale “Spectrelight” / “Curl of the burl”, sono più che sufficienti per tenere in piedi la parte centrale dello spettacolo. Spettacolo che, a dispetto dell’ultima data milanese ai Magazzini Generali (ai tempi di “Crack the skye”, febbraio 2010, la prima da headliner nel nostro paese), è stato privato dei visual, sostituiti da un interessante gioco di luci e da un telone posto alle spalle della band, impreziosito dalla bella immagine di copertina di “The hunter”.

Pochissime le parole spese durante il set: l’idea è quella di tirare il motore al massimo fino alla fine per poi prendere fiato. Obiettivo centrato in pieno, e finale travolgente: da “Crack the skye” fino all’attacco del riffone di “Blood and thunder”, piazzata impeccabilmente in chiusura, le tremende zaffate di sudore delle prime file (la vera garanzia di qualità di un live di questo genere), arrivano implacabili fino in zona mixer.

Non c’è neanche il tempo di sgranchirsi le gambe che i Mastodon, dopo aver abbandonato il palco, rientrano immediatamente, accompagnati dai Red Fang e da alcuni fans, per la conclusione. “Creature lives”, indicata in setlist semplicemente come “The creature”, è il classico “La messa è finita, andate in pace”, il momento catartico: Alcatraz con le corna al cielo, un unico coro che spegne la serata in crescendo. Un momento da tramandare ai posteri. E a questo punto c’è anche il tempo per i ringraziamenti fatti come si deve. E’ Dailor a fare gli onori di casa, guadagnando il centro del palco per salutare l’incredibile platea milanese e dare appuntamento alla prossima estate. Perché ai Mastodon piace, ed è sempre più evidente con il passare del tempo e delle date, suonare nel nostro paese. E perché a noi piace da matti vedere i Mastodon. 2+2…

(Marco Jeannin)

SETLIST RED FANG

“Hank is dead”

“Throw up”

“Malverde”

“Wires”

“Into the eye”

“Number thirteen”

“Good to Die”

“Humans remain human remains”

“Sharks”

“Prehistoric dog”

SETLIST MASTODON

“Dry bone valley”

“Black tongue”

“Crystal skull”

“I am ahab”

“Capillarian crest”

“Colony of birchmen”

“Megalodon”

“Thickening”

“Blasteroid”

“Sleeping giant”

“Ghost of Karelia”

“All the heavy lifting”

“Spectrelight”

“Curl of the burl”

“Bedazzled fingernails”

“Circle of Cysquatch”

“Aqua dementia”

“Crack the skye”

“Where strides the behemoth”

“Iron tusk”

“March of the fire ants”

“Blood and Thunder”

Encore:

“Creature lives”

Il concerto inizia ripescando ne “La quinta stagione” ed è quasi una dichiarazione di intenti di quanto ci aspetta nel corso della serata: il rock graffiante di “Niente di particolare” e la ballata di “Universo”. Grande impatto di suoni ed eleganza, da sempre gli ingredienti principali della musica di Cristina Donà.

Dopo un breve tuffo nel passato con “L’aridità dell’aria” e “Goccia”, un piccolo gioiello nascosto della musica pop italiana, si arriva nel cuore del concerto dove sono i brani di “Torno a casa a piedi” a fare la voce del padrone.

E’ qui che Cristina Donà mostra compiutamente la sua grande vocazione pop , quello con la “P” maiuscola. “Miracoli”, in una versione scanzonata e divertente, “Più forte del fuoco”, cantata sottovoce dal pubblico quasi per non disturbare la splendida voce della Donà e l’ironia di “Giapponese”: tutte canzoni che ricordano piccoli cortometraggi, affreschi di vita quotidiana raccontati, e soprattutto interpretati, mai banalmente.

Cristina si diverte e fa divertire. Il suo modo di fare sul palco, sempre in bilico tra timidezza e ironia, trasmette autenticità e sincerità, sia quando racconta piccoli aneddoti, sia quando scherza con i suoi musicisti. La formazione è snella, ma di qualità: Piero Monterisi alla batteria, Emanuele Brignola al basso, Saverio Lanza (produttore, tra l’altro, dell’ultimo disco) a chitarre, tastiere e cori.

Grandi musicisti, la cui tecnica non è mai fine a se stessa, ma è sempre al servizio del gusto e delle canzoni.

Inoltre, sarà per la loro disposizione non convenzionale (la batteria è di fianco alla Donà, ma di profilo sulla destra del palco), sarà che il teatro è uno spazio piccolo e raccolto, ma la sensazione con il passare dei minuti è di essere sul palco con Cristina e la sua band. Quasi una sorta di saletta prove, ma ben rodata musicalmente.

I bis si aprono con una toccante “Settembre” riarrangiata per sole percussioni. Il finale, invece, è dedicato al crescendo irresistibile di “Invisibile”, per poi chiudersi con una travolgente “Triathlon”, dove il pubblico, finalmente, si alza dalle poltrone e inizia a ballare con la band.
In buona sostanza il concerto conferma per l’ennesima volta il talento di Cristina Donà e la magia che attraversa le sue canzoni e che negli ultimi tempi ha conquistato un po’ tutti, anche un certo Francesco De Gregori.

(Simone Bianchi)

SETLIST:

Niente di particolare (a parte il fatto che mi manchi)

Universo

L’aridità dell’aria

Stelle buone

Un esercito di alberi

Goccia

In un soffio

Giapponese (L’arte di arrivare a fine mese)

Miracoli

Più forte del fuoco

Torno a casa a piedi

The Truman Show

Tutti che sanno cosa dire

Settembre

Invisibile

Triathlon

(Marco Jeannin)

SETLIST

“The final blast”

“The architect”

“Costant now”

“Oh your God”

“Slow”

“Second nature”

“Instant street”

“If you get what you want”

“Dark set in”

“Magdalena”

“Ghost”

“Keep you close”

“Sister dew”

“Bad timing”

ENCORE

“The end of romance”

“Sun Ra”

“Fell of the floor, man”

“Hotellounge (Be the death of me)”

ENCORE 2

“Suds & Soda”

Ma come dicevamo, la partenza è tutta per mare. Ed ecco il cupo e suggestivo incipit con “Il grande leviatano”, che rivela la scena: un gigantesco ventre di balena, lo stesso che ha ospitato la lunga e fortunata tournée di quest’anno. Vinicio siede al piano con il cappello da timoniere, con la sua ciurma alle spalle che intona canti, agita catene e mette in moto chitarre, contrabbasso, theremin e chi più ne ha più ne metta. La successiva “L’Oceano oilalà” si tinge dei mari d’Irlanda e apre la strada a “Dalla parte di Spessotto”, visto che quando si tratta di raccontare gli sfigati Capossela non si tira mai indietro. E stasera è la loro festa.

Il viaggio per mare prosegue con un’altra carrellata di vinti, di sopraffatti dal mare di melvilliana memoria: il condannato a morte di “Billy Budd”, il capitano Achab folle e disperato de “La bianchezza della balena” e dei “Fuochi fatui”. Ma c’è anche “Lord Jim”, contraddittorio eroe uscito dalla penna di Joseph Conrad. Capossela è un cantautore raffinato e come sempre riesce a dare la giusta forza a queste suggestioni. Come quando rilegge l’Antico Testamento con la bellissima “Job”, costruita su un tappeto di chitarre acustiche e incursioni arabeggianti. Oppure come quando alza gli occhi verso il cielo a guardare le “Pleiadi”, in un momento catartico e toccante.

Certo la parte “marina” dello spettacolo di Capossela è molto bella ma anche impegnativa, per questo ogni tanto il cantautore si sforza di alleggerirla. Un po’ con i tentacoli porpora del “Polpo d’amor”, un po’ con lo spettacolo di burlesque che accompagna la storia della sirena “Pryntil”, tra i brani nuovi più amati dal pubblico. Non manca qualche frecciatina politica come il riferimento a “Nettuno che non si fa chiamare `Papi´ ma `Nunù´”, chiaramente indirizzato al nostro ex premier. Durante “Vinocolo” compare un Polifemo in carne ed ossa, appena prima di una versione cupa e tribale del “Ballo di San Vito”. Bella e intensa.

Come detto, dopo il mare aperto si arriva in porto e ci si può riposare. “La Santissima dei naufragati” chiude la prima parte dello show, mentre “L’uomo vivo” sancisce il liberi tutti: il pubblico si alza e ci si concede un po’ di festa, dopo le fatiche della navigazione. Inizia la “Suite di Sante Nicola”, bella ma forse un po’ tardiva: Capossela legge degli estratti dal suo radio-racconto natalizio intitolato “I cerini di Santo Nicola”, canta la versione italianizzata di “Santa Claus is coming to town” e ospita sul palco il mago Christopher Wonder. Non poteva mancare la canzone “Sante Nicola”, estratta dall’album “Da solo”. Poi si concede perfino un’incursione nella musica colta invitando sul palco una cantante e una pianista per eseguire un lieder di Schubert.

Poi ecco “Ovunque proteggi”, uno dei brani più belli mai scritti dal cantautore, che da sola vale il prezzo del biglietto ed è colorata da un’insolita sezione di fiati. Un momento in cui la spiritualità di cui parlavamo prima viene tutta a galla con grande forza. A chiudere le danze ci pensa invece “Al veglione”, dove al “Buonanotte” finale Vinicio preferisce un “Buone feste a tutti!”. Il Natale arriva grazie a San Nicola. Ma arriva anche per permettersi il lusso di ascoltare concerti come questo.

(Giovanni Ansaldo)

Scaletta:

Il grande Leviatano

L’oceano Oilalà

Dalla parte di Spessotto

Billy Bud

Lord Jim

La bianchezza della balena

I fuochi fatui

Job

Goliath

Polpo d’amor

Printyl

Vincolo

Il ballo di San Vito

Calipso

Le Pleiadi

Dimmi Tiresia

Nostos

La Santissima dei Naufragati

L’uomo vivo

Inedito

Sante Nicola è arrivato in città (Santa claus is coming to town)

Sante Nicola

Intermezzo (Schubert)

Ovunque proteggi

Al veglione

Lo ammetto, sono andato al concerto degli Smashing Pumpkins per affetto e per dovere di cronaca, con motivazione bassissima.  Gli Smashing Pumpkins sono stati uno dei gruppi rock più importanti degli anni ‘90. Ma anche nel loro periodo d’oro avevano qualcosa che non funzionava, dal vivo: li ho visti in tutte le diverse incarnazioni – la formazione originale, quella senza Jimmy Chamberlin alla batteria, e quella finale con Melissa Auf Der Maur al basso – e non ho mai visto concerti memorabili. Forse solo quello al Porto Antico di Genova, fine anni ‘90, il tour di “Ava Adore”, quando suonarono su un barcone attacato al molo – ma lì fece molto la scenografia.

Setlist
“Lazy”
“Lullaby”
“Try to sleep”
“Violent past”
“I see everything”
“Monkey”
“Witches”
“Especially me”
“Done”
“On the edge of”
“Murderer”
“Last snowstorm of the year”
“Majesty/Magic”
“Breaker”
“Nothing but heart”

Bis
“Sunflower”
“Laser beam”

Alle nove in punto si comincia, in pieno stile british. Parte la versione remix di “If I had a gun” realizzata dagli Amorphous Androgynous, un antipasto del nuovo album previsto per il 2012. Poi ecco Noel insieme ai suoi High Flying Birds: Jeremy Stacey, Russell Pritchard, Mike Rowe e Tim Smith. Il primo pezzo in scaletta è “It’s good to be free”, vecchia b-side degli Oasis che i maligni potrebbero quasi leggere come un messaggio ai vecchi compagni di avventura. Poi tocca a “Mucky fingers”, pezzo datato 2005 che omaggia i Velvet Underground e Bob Dylan. Un inizio nostalgico, ma che scalda subito gli animi. La prima canzone del nuovo repertorio è invece “Everybody’s on the run”, riproposta in una veste elettrica che convince. Così come “Dream on”, il pezzo più orecchiabile e felicemente pop del nuovo corso.

Dopo un “Buonasera Milano” di rito, parte invece “If I had a gun”, cantata da tutti come se fosse già un classico. Le nuove canzoni dal vivo funzionano, ma con qualche piccola eccezione. La scelta di renderle più rock, rispetto alla veste principalmente orchestrale del disco, fa bene ai pezzi sopracitati. Meno agli altri, come “Soldier boys and Jesus Freaks” e “Aka…Broken arrow”, che sentono la mancanze delle pennellate acustiche originali. Va meglio invece con “The death of you and me”, divertente spaghetti-western in salsa Kinks, e con il ritornello killer di “(I Wanna Live in a Dream in My) Record Machine”, sicuramente tra i pezzi migliori del debutto solista di “The Chief”. A tratti poi Noel recupera volentieri le schegge del passato: il set acustico, con Noel alla chitarra e Mike Rowe al piano, per “Wonderwall” e “Supersonic” scatena un sing-along da brividi, che rende quasi difficile sentire la voce del cantante. Toccante invece l’esecuzione di “Talk tonight”, altra b-side che avrebbe meritato un destino ben diverso. La voce di Noel non è proprio al top e soffre a tratti, ma visto il contesto glielo si può perdonare.

Il pubblico è davvero uno spettacolo a parte. Quasi ogni canzone è cantata a squarciagola, mentre partono cori da stadio tra un pezzo e l’altro. Ad un certo punto c’è anche un simpatico siparietto. Gli spettatori chiedono al gruppo di suonare “The Masterplan”. La risposta è in pieno stile Gallagher: “La volete? Perfetto. Conoscete iTunes? Costa solo un euro”, risponde “The Chief” ridendo. Così in tutta risposta la platea dell’Alcatraz, approfittando di un momento di pausa, inizia a intonare la canzone per conto suo e si guadagna pure un applauso dalla band. Un minuto di divertimento puro.
“Noi amiamo Balotelli”, dichiara Noel prima di dedicare a Super Mario “Aka…What a life!”. Poi c’è la ballata folk “Half the world away”, ancora pescata dal repertorio degli Oasis, che apre la strada allo stomp rock-blues di “(Stranded On) The Wrong Beach”. Fine del set regolare.

Dopo qualche minuto di pausa, partono i bis. Neanche a dirlo, con tre singoli che in passato Noel ha scritto e cantato. Si parte con “Little by little”, bella e intensa anche grazie all’assolo di Tim Smith, l’unico americano della band e in passato già turnista di Sheryl Crow. “The importance of being idle”, uno dei tanti omaggi di Noel al genio di Ray Davies, è il secondo pezzo in scaletta estratto da “Don’t believe the truth”. E poi c’è il gran finale, che non poteva non essere “Don’t look back in anger”. Forse la canzone più bella mai scritta dal chitarrista di Manchester, da sempre uno dei momenti caldi dei suoi concerti. Una manna per il pubblico presente e un bel modo per chiudere le danze.

Insomma, Noel Gallagher ormai è un solista ma non ha dimenticato la sue vecchia band. E’ innegabile che i momenti migliori del suo live siano quelli pescati dal passato, anche se tra i pezzi nuovi ce ne sono almeno un paio che non sfigurano affatto. La sua sfida in futuro sarà quella di non rimanere troppo schiacciato dalla storia degli Oasis e di crearsi una seconda giovinezza artistica. Ma non è solo. Con questo popolo al fianco, per lui sarà tutto più semplice.

(Giovanni Ansaldo)

Scaletta:

1.   (It’s Good) To Be Free 
2.    Mucky Fingers
3.    Everybody’s on the Run
4.    Dream On
5.    If I Had a Gun…
6.    The Good Rebel
7.    The Death of You and Me
8.    Freaky Teeth
9.    Wonderwall 
10.    Supersonic 
11.    (I Wanna Live in a Dream in My) Record Machine
12.    AKA… What a Life!
13.    Talk Tonight
14.    Soldier Boys and Jesus Freaks
15.    AKA… Broken Arrow
16.    Half The World Away 
17.    (Stranded On) The Wrong Beach

Encore:

18.    Little By Little
19.    The Importance of Being Idle
20.    Don’t Look Back In Anger

Perché Paul McCartney mancava da 8 anni dall’Italia, e da molti di più da Milano. Così l’arrivo di quel che resta dei Beatles è stato un evento. Il secondo, in un anno: Ringo è passato quest’estate. Ma Paul è Paul.

L’ “On the run tour” sbarca a Milano dopo il debutto europeo della sera prima a Bologna. L’impatto con il Forum non è dei migliori: immerso nella nebbia della periferia milanese (magicamente scomparsa all’uscita), è facile perdersi persino nel parcheggio. Poi, una volta entrati, si viene accolti da musica improbabile: cover dei Beatles diffuse per ingannare l’attesa. Un po’ di cattivo gusto, diciamolo.

Poco dopo le nove, però, Macca sale sul palco e l’emozione del pubblico vola alle stelle in un nanosecondo.

Perché McCartney mette subito le cose in chiaro: arriva vestito con un completo nero e basso Höfner a tracolla, attacca “Hello goodbye”. Se non fosse per le rughe che gli segnano il volto, per l’improbabile colore rossiccio di capelli, si potrebbe quasi pensare ad un filmato d’epoca dei Beatles, reso a colori e proiettato su un megaschermo: lo sguardo è lo stesso di decenni fa. Hai immediatamente la sensazione di avere di fronte uno degli uomini più importanti non solo della storia della musica, ma della cultura popolare. Uno che in Italia non si fa vedere spesso: dettaglio che amplifica la sensazione.

E lui farà di tutto per tenerla viva per tutta la sera, quella sensazione, alternando molte canzoni dei Beatles, a numerose dei Wings. Ma la gente ha esattamente quello che vuole: i classici, cantati come Dio comanda. Perché a 69 anni suonati Macca dimostra una gran forma fisica, ed ha una band che sa il fatto suo. Lui, si alterna tra basso, chitarra elettrica ed  ukulele. Parla, e parecchio: accenna parole in italiano; sorride e fa smorfie, con il suo faccione rimandato dai megaschermi verticali a lato palco. Insomma, si diverte, e si vede.

Così gli perdoni tutto: persino qualche trovata trash, come i botti e i fuochi d’artficio su “Live and let die”, che per un attimo fanno pensare ad un concerto degli Ac/Dc (e che Macca liquida con una smorfia ironica mettendosi le dita nelle orecchie, come a dire “Che casino!”). Gli perdoni soprattutto il terribile megaschermo che incombe su un palco ampio e perfettamente costruito, se non fosse per quelle che immagini che accompagnano le canzoni. Immagini che ora sembrano dei brutti salvaschermi di Windows (galassie, foto che si animano), ora scivolano nell’inutile didascalia (aerei su “Jet”, autostrade e macchine su “Drive my car”, paesaggi su “The long and winding road”).

Ma le canzoni, il repertorio, la potenza dell’icona sono talmente forti che questi sono tutti dettagli secondari; è una festa, un jukebox collettivo: basterebbe il coro di “Hey jude” per giustificare la serata….

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Invece ci sono classici, qualche sorpresa dal repertorio, citazioni per gli amici scomparsi (“Something” per George, “Give peace a chance” messa in coda ad una strepitosa di “A day in the life”). C’è un concerto che nella seconda parte prende il volo per non fermarsi più, con i bis che sono una festa vera e propria. E c’è tanta emozione.

Perché lo spettacolo nello spettacolo è il pubblico: variegato, di ogni età. E felice, felice come una pasqua nelle quasi tre ore di concerto, non si può non guardarsi intorno e vedere i volti estasiati di chi ha atteso una vita per cantare a squarciagola quelle canzoni. Un pubblico che ha ottenuto esattamente quello che voleva, nel miglior modo possibile.

(Gianni Sibilla)

SETLIST:

Un’ atmosfera decisamente diversa da quella che subito si crea con l’arrivo sul palco di Lenny, la rock star con la flemma misteriosa e finto-dimessa di chi indossa uno spesso cappello di lana e (il solito) paio di occhiali. Grossi, da sole, a specchio. Ma, a dimostrare che l’apparenza non è tutto, il nostro non perde troppo tempo e apre il concerto con “Come on get it”. Con il brano estratto dal suo ultimo lavoro in studio Lenny può facilmente dimostrare quanta dimestichezza lui abbia con la musica, con il rock e con la chitarra elettrica. Lui e il suo amico e braccio destro Craig Ross, che si presenta da solo, senza tante parole, ma con molti assoli che, accompagnati dalle vorticose e psichedeliche proiezioni alle spalle dei musicisti, preannunciano uno spettacolo dagli intenti tutt’altro che pacati.

E infatti subito la band attacca con un quartetto di grandi hit composto da “Always on the run”, “American woman”, “It ain’t over til it’s over” e una “Mr. cab driver” prolungata dagli esercizi di bravura dei tre fiati. Kravitz può facilmente tornare agli anni di “Mama said”, i primi ‘90, giocare con il passato dei tempi di “5″ – son già trascorsi 13 anni? – tornare al periodo rasta o funky. Si sta parlando della sua acconciatura perché in quanto ad attitudine Lenny è sempre uguale a se stesso: in bilico tra quel rock, soul e funky che hanno determinato la sua fortuna nonché la sua storia sin dalle origini, proprio quella che racconta con il brano “Black and white America”. Guardando lui e lo spettacolo che fa, un concetto appare evidente: consapevolezza. La piena coscienza delle proprie capacità e dei propri punti di forza porta l’artista a introdurre in scaletta brani come “Fields of joy” o “Fly away” e ad intonare strofe in falsetto con la stessa naturalezza con cui si mette in posa tra una canzone e l’altra, ostentando quel fare da modello tenebroso in attesa di essere immortalato dalle macchine fotografiche. Sguardo rivolto all’infinito (ma dove guarderà poi?), testa leggermente reclinata all’indietro e postura da divo. Esibizionismi a parte, solo con “Stand” si entra nel vivo dello spettacolo. Nonostante il singolo dal vivo riesca decisamente peggio che nella sua versione in studio, il pubblico lo aspettava da tempo e, contento comincia a scomporsi e sciogliersi un po’ di più seguendo la scia di uno di uno spettacolo che è come un diesel. Il brano è il giro di boa, in buona sostanza e, da ora in avanti, quell’energia rockeggiante rimasta un po’ troppo in sordina si fa decisamente sentire. L’onda verde del rock si innesca – che ironia – con il grande classico “Rock’n'roll is dead”, prosegue con “Rock star city life” e “Where are we running” per poi culminare nella potentissima “Are you gonna go my way”: senza dubbio il brano meglio riuscito di tutta la serata.

Dopo la pausa c’è il momento acustico: Lenny esegue per la prima volta dal vivo “Push”, il secondo singolo di “Black and white America” nuovo di pacca, e regala a seguire una piccola perla intonando una dolcissima “I belong to you” in versione unplugged. Il gran finale è tutto per “Let love rule” canzone che ben si presta ad essere prolungata abbastanza da poter scendere dal palco e salutare tutti i fan, quelli nel parterre e quelli sugli spalti. A destra e a sinistra, in prima fila e in fondo, Lenny ha proprio voglia di mostrare a tutti da vicino quanto è bello. Fa il giro completo del palazzetto dello sport e torna sul palco per il gran saluto finale. E allora, soddisfatto, finalmente sorride.

(Valeria Mazzucca)

Setlist:

‘Come on get it’

‘Always on the run’

‘American woman’

‘It ain’t over til it’s over’

Mr. cab driver’

‘Black and white America’

‘Fields of joy’

‘Stand by my woman’

‘Believe’

‘Stand’

‘Rock and roll is dead’

‘Rock star city life’

‘Where are we running’

‘Fly away’

‘Are you gonna go my way’

Encore:

‘Push’

‘I belong to you’

‘Lot love rule’

Lo show dei Kasabian, lo si capisce subito, non punta ai palati fini ma la butta sui muscoli e sui ritornelli: la scelta di aprire con il singolone “Days are forgotten”, forte di una progressione ritmica alla Primal Scream, spiega tutto. La successiva “Shoot the runner” non fa che confermare il teorema. Tom Meighan, che si presenta con la solita “faccia da schiaffi” e un bel paio di occhiali scuri, sfoggia dei capelli rockabilly e dimostra subito di essere bravo ad accendere il pubblico milanese. Serge Pizzorno, o “Sergio” come invocano i fan, è invece di casa viste le sue origini genovesi e si sforza il più possibile di ringraziare gli spettatori in un italiano che tradisce palesemente l’accento brit.

Il suono del gruppo è forte e compatto, anche se a volte la chitarra di Pizzorno è troppo sacrificata nel mix, soprattutto nei momenti in cui i riff dovrebbero farla da padrone. Il pubblico dal canto suo è davvero scatenato, soprattutto sui brani vecchi: ecco che “Underdog”, il vero tributo dei Kasabian ai fratelli Gallagher, lo fa saltare per bene e apre la strada a “Where did all the love go?”. L’acidissima “I.D.” invece ci riporta al bellissimo e omonimo disco d’esordio del 2004, mentre “I hear voices” e “Re-wired” confermano che qualche nuovo brano non ha ancora trovato la sua dimensione definitiva dal vivo.

Ogni tanto, Tom Meighan si defila e “Sergio” si carica tutta la band sulle spalle. Tocca allora alla psichedelica “Take aim”, estratta da quel grande e ambizioso caleidoscopio sonoro chiamato “West rider pauper lunatic asylum”, dare un primo momento di pausa. Nell’introduzione del brano la tromba di Gary Alesbrook accenna perfino l’Inno di Mameli. Peccato che con la successiva “Club foot” la calma sia solo un ricordo lontano, presi come si è dalla bolgia che si scatena all’Alcatraz.
Si vi avanti tra le suggestioni marziali di “Empire” e l’ottima “La fée verte”, una storia di fate verdi e “Lucy in the sky” che ci fa capire come Pizzorno abbia studiato come un bravo scolaretto le atmosfere lisergiche di Syd Barrett e John Lennon. Con “Fast fuse” si finisce invece in territori cinematografici con l’omaggio a Quentin del secondo chitarrista Jay Mehler al tema di “Pulp Fiction”. Dopo la ballata pop “Goodbye kiss”, tocca alla trascinante “L.S.F.” chiudere il set regolare tra gli applausi del pubblico.

Il gruppo va nel retro per qualche minuto. Poi parte il synth di “Switchblade smiles” e più che all’Alcatraz sembra di essere all’Hacienda negli anni della Madchester. Sicuramente il più potente tra i nuovi brani, almeno dal vivo. Sulla stessa scia la favoletta horror “Vlad the impaler”, ancora con un groove trascinante. Il finale è affidato invece a “Fire”, costruita su chitarre seventies e su un ritornello che resta appiccicato alle orecchie. La band la prolunga il più possibile, facendo ballare il pubblico. Finisce qui, in attesa delle date di febbraio a Roma e Padova.

I Kasabian sono ormai una realtà consolidata. Sanno tenere il palco alla grande e hanno acquistato anche quel mestiere che gli permette di gestire i concerti con la giusta autorità. Forse sono pronti anche per locali più grandi dell’Alcatraz, visto che in Inghilterra li affrontano già da anni. Quindi, visto che l’autostima non gli manca, ci divertiamo a lanciare loro una sfida: perché non provarci in un palazzetto, la prossima volta? Da inglesi spacconi quali sono, siamo convinti che non si tireranno indietro.

(Giovanni Ansaldo)

Scaletta:

Days Are Forgotten

Shoot The Runner

Velociraptor!

Underdog

Where Did All The Love Go?

I.D.

I Hear Voices

Take Aim

Club Foot

Re-wired

Empire

La Fée Verte

Fast Fuse

Pulp Fiction Theme (Dick Dale and His Del-Tones cover)

Goodbye Kiss

L.S.F. (Lost Souls Forever)

Encore:

Switchblade Smiles

Vlad The Impaler

Fire

Attesissimi, perché in tre anni (era il 15 novembre del 2008 quando si esibirono ai Magazzini Generali di Milano) le aspettative e il passaparola sui Fleet Foxes sono cresciuti a dismisura, complice il sorprendente successo riscosso in Inghilterra prima ancora che in patria e la grande eco che sulla stampa specializzata italiana ha avuto il loro nuovo album “Helplessness blues”, gratificato in copertina da tutte le principali testate di settore. Davanti a un pubblico prevalentemente giovane e alternative-trendy, assorto, eccitato, e molto preparato sul repertorio, i sei di Seattle hanno sfoggiato una nuova e solida professionalità amplificata dall’ottima acustica dello Smeraldo: soprattutto nei celestiali impasti vocali pilotati dal frontman Robin Pecknold, timbro limpidissimo, camicione a quadri d’ordinanza e pochissime parole in direzione del pubblico (è timidezza, non arroganza).

I suoi compari non sono da meno, jolly intercambiabili capaci di riprodurre correttamente i raffinati arrangiamenti dei dischi passando con disinvoltura da uno strumento all’altro (soprattutto Morgan Henderson, minuto folletto con barbone e berretto di lana alle prese con violino, chitarra  acustica ed elettrica dodici corde, sax, flauto e contrabbasso a volte suonato con l’archetto). Mischiando la sequenza dei brani del primo e secondo album più un paio di selezioni dall’Ep di esordio “Sun Giant”, i Foxes sembrano intessere un’unica suite, un presepe di suoni incantati e luccicanti che evoca gli a cappella gregoriani degli Steeleye Span e proietta su scenari magici ed esoterici (gli stessi che compaiono sullo schermo alle loro spalle: montagne innevate, stelle luminose, simboli e figure geometriche) la vocalità solare dei Beach Boys e di Graham Nash (da solo e con Crosby, Stills & Young) in chiave più umbratile e intimista.

E’ il loro fascino e forse  anche il loro unico limite: sono neo hippie ma non improvvisatori né intrattenitori, e lo si capisce dalla concentrazione e le pause con cui si preparano tra un pezzo e l’altro. In “Mykonos” e “Lorelai” evocano paesaggi di fiaba (con sfumature dark, nel secondo caso), in “English house” addirittura reminiscenze di pop e doo wop anni Cinquanta mentre “Battery kinzie” è un salmo gioioso, “Bedouin dress” un folk un po’ gitano e “White winter hymnal” esattamente quel che promette il titolo, un inno laico alla stagione invernale che i ragazzi in platea e galleria non si fanno pregare per intonare. Introdotto da un giro di chitarra nello stile del compianto Bert Jansch, anche “Sim sala bim” si presta al battimani del pubblico, che si entusiasma per la radiosa melodia di “Your protector” (Simon & Garfunkel ne sarebbero andati fieri) e per il sogno ad occhi aperti di “Montezuma” (che inizia in trio, solo voci e chitarre) mentre il momento più “off” dell’esibizione (e della produzione discografica) è quella bizzarra coda di “An argument” in odor di free, con Henderson apparentemente lanciato all’inseguimento del fantasma di Archie Shepp.

E’ solo una breve parentesi, prima che il flusso armonico e delicato della loro musica ricominci a scorrere culminando nel finale galoppante di “Grown ocean”. In tutte le date europee la scaletta ha seguito un percorso sostanzialmente prestabilito, e dunque è una bella e inattesa sorpresa il primo bis, una cover di “These days” (Nico, via Jackson Browne) che Pecknold canta in duetto con Alela Diane lasciando a lei il presidio del registro più basso per sfoggiare il suo nitido falsetto. “Sun it rises” vede tornare in scena la band al completo per un folk rock marziale e molto psichedelico che spiana la strada a “Blue ridge mountains”, una delle più belle e riconoscibili melodie in repertorio mentre, a dispetto del titolo,  “Helplessness blues” è un finale “up” su note giubilanti accatastate nel finale cacofonico e liberatorio di uno show suadente e suggestivo  con l’unico difetto di essere forse  troppo ancorato a una partitura. Personalmente voto per più fuori programma alla “These days”, sognando di vederli un giorno ancora più liberi, più freak, più intrepidi e avventurosi.

(Alfredo Marziano)
Setlist:
“The Plains/Bitter dancer”
“Mykonos”
“English house”
“Battery kinzie”
“Bedouin dress”
“Sim sala bim”
“Your protector”
“White winter hymnal”
“Ragged wood”
“Montezuma”
“He doesn’t know why”
“Lorelai”
“The shrine/An argument”
“Blue spotted tail”
“Grown ocean”

Bis:
“These days” (Robin Pecknold e Alena Diane)
“Sun it rises”
“Blue ridge mountains”
“Helplessness blues”

Nel live si mescolano bene pezzi nuovi a brani del passato. “Promises promises” e la title track del disco sono le più apprezzate. Il concerto è molto intenso e Brandon si toglie la giacca. L’atmosfera diventa di fuoco alle prime note di “Anna Molly”. Boyd ringrazia mille volte il pubblico: “Grazie Milano”, e fa un inchino. Sono da togliere il fiato le immagini che lo immortalano, in primo piano, in bianco e nero sul mega-schermo alle spalle del gruppo. Incalza potente anche “In the company of wolves”, suonata alla perfezione. Momento romantico con due pezzi acustici: prima c’è “Defiance”, poi Brandon si siede accanto al chitarrista e intona la splendida “Love Hurts”, in cui passa il microfono al pubblico, che canta tutte le parole. C’è pure “Pardon me”, ed è qui che viene il bello: Brandon rimane a petto nudo, si scatena salta, balla, è davvero entusiasta. Tra le tante proiezioni, gli scratch di Chris Kilmore e la sua abilità ai piatti, nonché il suo braccialetto che riporta il titolo dell’ultima fatica in studio, le rullate di batteria del prode Jose Pasillas e le schitarrate del “ricciolone” Mike Einziger. Scariche di energia per “Dyg”, seguita a breve distanza da una intro/ breve jam session in cui Boyd suona le percussioni, ed inizia subito “Nice to know you”. Una pioggia di “Grazie mille” da Brandon e dalla band, il pubblico è in visibilio, inneggia al cantante ininterrottamente. Si scivola verso la fine con la celeberrima “Drive”, un coro unico, e con “Wish you were here”. Inchino di rito e sparizione tattica per riprendersi dalla fatica. Brandon non ha sbagliato una nota, ha un’intonazione incredibile e i suoi compagni non sono da meno in quanto a bravura. Gli Incubus tornano sul palco per altri due pezzi: “A certain shade of green” e la soave “Tomorrow’s food”, accompagnata da un video con un collage di immagini che ripercorrevano le fasi dell’esistenza per varie forme di vita, davvero poetico.

Il concerto è finito davvero. Brandon ringrazia di nuovo, lancia un asciugamano e scompare con gli altri membri della band. Chi si aspettava un concerto “hard” alla Incubus prima maniera, forse è rimasto un po’ deluso. Dalla mia, posso solo dire che la marea di sorrisi e di occhi brillanti c’era ed illuminava l’uscita del Forum.

(Rossella Romano)

L’accusa a Fossati arriva non perché abbia iniziato il concerto con le chitarre elettriche e con un piglio rock. Ma perché dal Teatro milanese parte il suo ultimo tour, dopo il recente annuncio di ritiro dalle scene, dato in contemporanea alla pubblicazione del suo (ultimo) album “Decadancing”. Un annuncio che ha generato disperazione tra i fan e gli appassionati  – che sono consci di perdere una delle voci più lucide e poetiche della musica italiana – e feroci critiche da chi lo ha accusato di usare la cosa per scopi promozionali.

A questi ultimi, Fossati aveva un solo modo di rispondere: un concerto poco celebrativo, messo in scena come se fosse un tour “normale”, non un tour d’addio. E quel modo è arrivato, con uno spettacolo teso, intenso, elettrico. Con molti classici in scaletta e molte soprese, e poche, pochissime parole tra un brano e l’altro. “Parlaci!”, gridano dalla platea a metà concerto, forse la stessa persona di prima. Fossati, anche lì, sorride. E tira dritto.

E’ solo l’anteprima del tour: arriva dopo una data zero in toscana mentre il tour vero e proprio inizierà tra un paio di settimane. Fossati tornerà a Milano in altre due date: a dicembre e a febbraio (la data del 25 sempre agli Arcimboldi è l’ultima fissata del tour – per ora?). Ma c’è l’aria delle grandi occasioni. L’inizio è spiazzante, per chi pensa di essere venuto ad un funerale della musica del cantautore: “Viaggiatori d’occidente” e “Ventilazione”, seguiti da “La decadenza”, con un suono teso, compatto. Una sorpresa solo per chi non ha visto gli ultimi tour, in cui la dimensione elettrica è sempre stata presente.

C’è una scena che spiega questa atmosfera, e arriva nel secondo tempo, quando Fossati presenta la band, e racconta di essersi accorto che il suo palco è diviso in due. Alla destra la sezione ritmica (il figlio Claudio alla batteria, l’ottimo bassista Max Gelsi  – già visto nella band di Elisa) e il fido chitarrista Fabrizio Barale. Cosa suonereste, gli chiede? E loro attaccano “Whole lotta love”. Alla sua sinistra la violoncellista Martina Marchiori, il chitarrista Riccardo Galardini e Pietro Cantarelli (tastiere e direzione musicale). Fa la stessa domanda, e loro attaccano un brano di musica da camera. Poi chiede al pubblico: io dove devo stare, di qua o di là? Il pubblico tentenna, lo spinge a restare al centro. Ma a Fossati scappa un “io preferirei da questa parte”, quella elettrica.

La dimensione rock prende spesso il sopravvento, ma quella più tranquilla c’è, eccome, quando Fossati si siede al piano, magari accompagnato da una chitarra (per una bellissima versione di “Mio fratello che guardi il mondo) o in totale solitudine (per esempio per la sempre devastante “La costruzione di un amore” o per “Settembre”, canzone dell’ultimo disco che ne sembra il seguito ideale, per certi versi). Anche quando canta i grandi classici lo fa senza enfasi, come ne “La musica che gira intorno”, meno urlata del solito nel finale corale. La chiusura è per “Una notte in italia”, quella che con il tempo è diventata la sua canzone simbolo, ancora più di altre. Mancano molti brani famosi all’appello, magari salteranno fuori più avanti nel tour, magari no.

Sta di fatto che il “Decadancing tour”, a partire da questa anteprima, si dimostra come uno dei tour dell’anno e non per il portato emozionale dell’abbandono dalle scene del suo interprete. Semplicemente perché è un’occasione per ascoltare uno dei nostri più grandi interpreti musicali in una forma splendida, senza fronzoli, diretta, lucida, tagliente come una lama. Un concerto per niente consolatorio, come solo la grande musica sa essere.

(Gianni Sibilla)

Ma dopo aver visto Jesse Tabish e compagni dal vivo questa sensazione è rafforzata: il gruppo di Stillwater ha davvero i numeri per uscire dal sottobosco underground perché la sua musica è complessa e stratificata, a tratti quasi progressiva, ma si muove con armonia e grazia, come un’onda. E perché ha da proporre delle belle canzoni, un dettaglio che non va mai trascurato.

Lo si capisce appena passate le dieci, quando la band americana fa timidamente la sua comparsa sul palco del Tunnel. Poi attacca “As I lay my head down” e in un attimo l’atmosfera cambia. Poi il concerto prosegue con il tappeto di trombe di “Dark horse”, che esalta la voce del frontman Jesse Tabish. Ecco, per quest’ultimo ci sarebbe da aprire un capitolo a parte: ha un carisma non appariscente ma forte e la sua voce è profonda, senza tempo.

Il set prosegue. “Landforms”, con le sua atmosfere da film americano anni ‘50, diventa piano piano una piccola suite, mentre Tabish balla come un indio muovendo i tasti del piano. A tratti passa alla chitarra acustica, come per il singolo “For 12″: un delicato folk rafforzato dalle fughe sonore della viola di Colby Owens. Un altro colpo al cuore, che fa capire perché i Radiohead abbiano voluto gli Other Lives come gruppo spalla per il loro nuovo tour americano. L’ottima “Tamer animals”, con la sua batteria nervosa, sembra invece rubata ai National di “Boxer”.

Il concerto non è basato solo sulle composizioni dell’ultimo disco: “E minor” è tratta dall’omonimo esordio “Other Lives”, un disco pop raffinato e anch’esso sottovalutato. A chiudere il set regolare arriva poi uno dei pezzi migliori della band: “Dust bowl III”, un folk desertico che si apre all’improvviso nei ritornelli, intenso come una danza della pioggia. Il momento più toccante della serata.

Il pubblico del Tunnel, partito abbastanza timido, si accende piano piano. Più i brani passano, più gli applausi si allungano. Al punto che la band fa due bis: nel primo arriva una splendida versione per piano e voce di “Black tables”, dove si sente tutta la venerazione vocale di Jesse Tabish per Thom Yorke. Nel secondo, tra le altre, compare addirittura la cover di “The partisan” di Leonard Coen, poco prima dei titoli di coda.

Gli Other Lives sono una band su cui ci sentiamo di scommettere per il futuro. Non conquisteranno le masse, ma la loro proposta artistica è originale, solida e dal forte impatto emotivo. E il frontman Jesse Tabish, timido ed educato fuori dal palco, quando calca la scena acquista un magnetismo invidiabile. La loro musica è ambiziosa, epica. Ma ha sempre un senso di precarietà e di sofferenza che la rendono interessante. Per citare il verso della loro gemma “Dust bowl III”, “Just like the wind blows into the great unknown”. Proprio come il vento che soffia nel grande ignoto.

(Giovanni Ansaldo)

1° Set:
“Eight miles high”
“Wasted on the way”
“Long time gone”
“Marrakesh express”
“Lay me down”
“Old soldier”
“Just one songe before I go”
“Slice of time”
“Don’t dig here”
“Critical mass”/”Wind on the water”
“Almost cut my hair”
“Déjà vu”

2° set
“Simple man”
“Guinnevere”
“Our house”
“Laughing”
“What are they names”
“They want it all”
“Broken bird”
“Blackbird”
“In my dreams”
“Orleans”/”Cathedral”
“Military madness”
“Wooden ships”
Bis:
“Teach your children”

Una pedana rialzata, montata a bordo palco, permette al leader dei Kooks di farsi vedere da tutti, persino da quelli che il concerto se lo vogliono gustare in fondo, fuori dalla ressa. Arriva subito la cantatissima “Always where I need to be” e il pubblico è già in delirio. Al termine del brano Luke testa il suo italiano “Grazie, grazie”, e per ora non aggiunge altro. Arrivano veloci “Sofa song” e “Match box”, tutti saltano e si dimenano, band compresa. “State bene? Noi stiamo benone. E’ bellissimo essere qui con voi”, urla Luke in un inglese strettissimo. “Questa che stiamo per suonare fa parte del nostro nuovo disco, ‘Junk of the heart”, e il gruppo attacca “Rosie”. E’ un intonato vero Pritchard e il resto dei musicisti non è da meno in quanto a bravura. Incalza “She moves in her own way”, pezzo tra i più cantati, al termine del quale il frontman ride in segno di assenso e di felicità, poi ci riprova con la nostra lingua “Grazie, grazie, non parlo italiano, grazie”, cavandosela egregiamente. Si continua a danzare su “Killing me, “Eskimo kiss” e “You don’t love me”. Brevissima pausa, Luke imbraccia la chitarra acustica e sale sulla parte rialzata del palco: “Ora vi vedo tutti”, esclama e saluta con la mano. Da solo intona “Seaside” e “Tick of time”, momento molto romantico del live. Si scivola veloci verso la fine, ancora qualche brano come “How’d you like that “ e “Mr Nice Guy” fino a giungere ad uno dei primi episodi dei Kooks, “Ooh la”: “Questa canzone è tra le prime che abbiamo scritto” dice il cantante. Asciugandosi un po’ il sudore, Pritchard esclama “Mi servirebbe la fascetta ma non ce l’ho”. Per chi non lo sapesse, la fascetta a cui l’artista fa riferimento è quel cordino elastico portato per “domare” le proprie capigliature dai ragazzi filo hipster, gli MGMT possono essere un esempio ben rappresentativo. La fine del live sembra essere decretata da “Shine on” e da “Do you wanna”, ma Luke e soci, dopo essersi fatti un pochino acclamare tornano sul palco. Un sorso di birra e il gruppo attacca “Saboteur” e la title track dell’ultimo lavoro, “Junk of the heart”. La conclusione del live è tutta per “Naive”, che ha portato i Kooks nell’olimpo musicale, cantata da tutti i presenti. Un ragazzo, mentre usciamo dal locale esclama :”Mi è piaciuto da Dio”. Non si può trovare alcuna espressione migliore di questa.

(Rossella Romano)

Setlist:

1.Is it me?

2.Always where I need to be

3.Sofa song

4.Matchbox

5.Rosie

6.She moves in her own way

7.Killing me

8.Eskimo kiss

9.You don’t love me

10.Seaside

11.Tick of time

12.See the sun

13.How’d you like that

14.Mr Nice guy

15.Ooh la

16.Shine on

17.Do you wanna

18.Saboteur

19.Junk of the heart

20.Naive

I Blueneck trovati a Berlino sono in tour da pochi giorni, reduci da una data a Parigi e da dodici ore di viaggio in furgone dalla capitale francese a quella tedesca. Raggiungo Duncan Attwood e Rich Sadler, voce e chitarra della band, al banchetto del merchandising e li trovo comprensibilmente in cerca di un attimo di relax, intenti a farsi un paio di birre per riprendersi dalla lunga traversata. Contro ogni previsione sono di ottimo umore, felici di poter fare due chiacchiere nel pre concerto. Faccio il mio esordio acquistando l’intero catalogo della band post rock di Bristol (tre album compreso il nuovissimo e ottimo “Repetitions”) per la modica cifra di venti euro, prima di iniziare a parlare del nuovo lavoro del quintetto inglese. “In realtà quando abbiamo scritto i primi pezzi, il progetto era di pubblicare solamente un ep per dare un seguito a “The fallen host”, album uscito verso la fine del 2009. Poi il materiale ha iniziato a essere sempre più consistente e a prendere una direzione nuova. Alla fine ci siamo ritrovati tra le mani un album completo e ci è sembrato ovvio pubblicarlo così com’è venuto”. Un album più malinconico del precedente, meno aggressivo. “Ogni volta che scriviamo dei pezzi nuovi, contano molto i sentimenti che proviamo nel momento che stiamo vivendo. “The fallen host” è un album istintivo, pieno di rabbia, la stessa copertina ha un qualcosa di demoniaco, quasi inquietante. “Repetitions” invece è una riflessione sul dolore, sul ripetere coscientemente certi errori a tal punto dal diventarne quasi dipendenti. È un disco molto triste. Per me (Dunkan) è come una droga, come essere sotto morfina dopo che ti sei rotto un braccio: senti il dolore, sai di avere un osso rotto, ma contemporaneamente provi quasi piacere. Tendenzialmente è così che nascono i nostri album. Di base siamo una band post rock ma il prossimo disco potrebbe essere super pop oppure la cosa più pesante che abbiamo mai fatto, chi lo sa. In questo periodo stiamo ascoltando molto Bon Iver e l’ultimo dei Low (giusto per staccare un po’) e cavolo, quelli si che sanno scrivere canzoni”. Per una band post rock è meglio lavorare in studio o suonare dal vivo? “Quando ci troviamo a lavorare a qualcosa di nuovo, di solito pensiamo solo a quello e non a come questo potrà suonare di fronte ad un pubblico. È un processo molto intimo e personale, i pezzi li scrive Dunk ma è tutta la band che poi lavora agli arrangiamenti e ognuno ci mette del suo. Quando arriva poi il momento di andare in tour ogni serata è differente, e tutto dipende da dove sei e come ci sei arrivato. E’ tutta una questione d’interpretazione, cambia di volta in volta. C’è capitato di andare a suonare in Polonia e Ucraina e passando con il furgone in autostrada vedi questi paesaggi immensi e desolati che ti mettono addosso una tristezza incredibile. Ci siamo detti: ecco perché la gente da quelle parti apprezza molto la nostra musica, perché la vive da vicino”. Vi apprezzano così tanto che, da quello che so, avete deciso di imbarcarvi in un viaggio interminabile pur di suonare a Kiev. “Abbiamo avuto qualche problema con chi ci affitta il furgone per il tour, più che altro problemi con l’assicurazione. L’unica soluzione era optare per quindici ore di treno per raggiungere Kiev affittando la strumentazione una volta arrivati. Sarà dura, ma contiamo di farcela e suonare per chi vorrà sentirci”. E in Italia? “La verità è che un sacco di gente continua a dirci che dovremmo venire a suonare in Italia, ce lo ripetono in continuazione. Speriamo di poterlo fare l’anno prossimo, magari a Milano, sempre che ce ne sia la possibilità”. Possibilità in senso economico? “I tour come questo non sono fatti per fare soldi. A dirla tutta è già un successo se torni senza averci rimesso qualcosa, quindi cerchiamo di prenderla come se fosse una vacanza: domani saremo a Dresda e poi a Lipsia, una città che adoriamo e dove abbiamo un sacco di amici. Poi a Varsavia, Kiev, Praga… Il bello dell’essere in tour è poter viaggiare, vedere un sacco di posti e conoscere bella gente con cui stringere contatti. E’ questo ciò che conta, ed è quello che alla fine ti porti a casa”. Circondati da magliette, stampe, vinili e cd, la chiacchierata finisce con i cinque presi ad abbozzare la scaletta per il set berlinese: un’ora e dieci di post rock da manuale, molto melodico e zeppo di crescendo, stacchi ed esplosioni improvvise. Nove i pezzi in totale, su tutti le meravigliose “Lilitu”, “UB2” e la doppietta conclusiva “Epiphany” / “Revelations”, accompagnati da poche parole giusto per ringraziare la non troppo nutrita, ma ben predisposta, platea tedesca. Poco prima di mezzanotte il Lovelite chiude i battenti, il concerto finisce ma ci si può fermare a tirare le somme sorseggiando un’ultima birra in compagnia di Attwood e soci. I Blueneck sono una band meritevole di palchi ben più consistenti di quello del pur gradevole club tedesco. Una band con tre album a dir poco interessanti all’attivo e pezzi in grado di catturare l’attenzione anche di chi non fa del post rock il suo genere di riferimento. Dal vivo hanno saputo confermare tutto il confermabile, abbastanza da augurarci di non dover aspettare troppo prima di vederli all’opera dalle nostre parti. Per ora “accontentiamoci” di una bella serata di ottima musica passata in compagnia di persone assolutamente deliziose.

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Hank”

“Oig”

“Low”

“Sheila”

“Lilitu”

“Venger”

“UB2”

“Epiphany”

“Revelations”

(Daniela Calvi)

Il Comet è un club dieci metri per quindici, o giù di li. Intimo, berlinese, tinto completamente di nero. Ci suonano i Verdena, e fa un po’ impressione vederli così “raccolti” sul palco dopo i trionfi di “Wow” nel nostro paese. Sembra di essere tornati indietro di almeno quattro dischi (perché il tempo, si sa, si misura in musica), quando le location dove suonare erano quello che erano, e i Verdena ancora in tre. Al Comet la formazione ovviamente è quella più recente, con Luca, Alberto e Roberta affiancati oramai in pianta stabile dal fido Omid. I Quattro salgono sul palco alle nove precise, in tipico stile tedesco. Qui i concerti iniziano puntuali e finiscono relativamente presto, giusto per permettere a chi il giorno dopo lavora di non perdersi una data, e a tutti gli altri di aprire la serata con un po’ di musica. Ci sono tanti italiani in platea, qualche tedesco e un paio di curiosi passati a buttare un orecchio, fa caldo e l’unico rimedio ad una temperatura destinata inevitabilmente a salire è trovare teutonicamente conforto in qualche birra. Luca è il primo a sistemarsi on stage per un ultimo ritocco alle pelli, seguito da Roberta, Omid e da un Alberto particolarmente allegro. Il set inizia con la doppietta “Sorriso in spiaggia pt.1 e 2”, la sempre ottima “Miglioramento” e “Rossella roll over”. I Verdena sono in serata: sound pieno e compatto, zero menate tecniche, nessuna interruzione di sorta tra un pezzo e un altro. Una bellezza. Evidentemente la Germania fa bene ai bergamaschi, talmente bene che la “Starless” sentita a Berlino entra direttamente nella top 5 dei pezzi live visti quest’anno. Intensa, carica, pesante, degna dei migliori Motorpsycho: “… e sarò così falso / io sarò così solo per te / è giusto che sia immorale il male che vorrei per te”. Una botta che scuote la Germania intera, picco assoluto di un concerto che da qui in poi si manterrà costante in quanto ad intensità. Diciannove in totale i pezzi in scaletta, su tutti “Lui gareggia”, “Scegli me”, la parentesi acustica “Angie” (Alberto: “Com’è che fa questa?”) e “Razzi, arpia, inferno e fiamme”, “Don Callisto” e una tiratissima “Loniterp” in chiusura di set. Al rientro, acclamatissimo, Luca si accomoda per un breve drum solo che lancia la volata finale “Lei disse” / “Il Gulliver”, due pezzi che chiudono la serata in crescendo dopo un’ora e quaranta di musica. Mesi e mesi di tour hanno reso i Verdena una macchina live perfettamente rodata, in grado di girare a mille: Alberto indiscusso fenomeno carismatico, Roberta impeccabile e particolarmente presa, Luca strepitoso come ormai d’abitudine e Omid “semplicemente” necessario. Poi vederli così, per pochi intimi in terra straniera, ha avuto il suo peso. Peso per una band che in questo mini tour europeo sta ritrovando una dimensione che da troppo tempo (e sul palco si è visto palesemente) le mancava. Peso per noi che per questo motivo abbiamo potuto godere dei migliori Verdena possibili, e che per una volta, senza vergogna, abbiamo provato davvero più gusto nell’essere italiani.

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Sorriso in spiaggia pt.1 e 2”

“Miglioramento”

“Rossella roll over”

“Starless”

“Il caos strisciante”

“Badea Blues”

“Nuova luce”

“Lui gareggia”

“Caños”

“Castelli per aria”

“Angie”

“Razzi, arpia, inferno e fiamme”

“Scegli me”

“E’ solo lunedì”

“Don Callisto”

“Loniterp”

“Lei disse (un mondo del tutto differente)”

“Il Gulliver”

C’era una volta un ragazzo di Cologno Monzese che sognava di fare musica e spaccare tutto. Insieme all’amico Vito, in arte DJ Jad, fonda, nei primi anni novanta, un duo rap, gli Articolo 31, il resto è leggenda. Sono passati anni da quando J-Ax intonava note d’amore alla sua “Maria bella”, ma il tempo sembra essersi fermato. Oggi Ax ha la stessa energia, lo stesso carisma e la stessa “aria cazzuta” degli esordi. Stasera, con il suo “rap’n'roll”, Alessandro ha letteralmente infiammato l’Alcatraz. Ad aprire le danze è stato chiamato Grido, il fratellino, che da qualche tempo cammina da solo, senza i suoi Gemelli Diversi: canta qualche pezzo tratto dal suo disco d’esordio solista, “Io grido”, e ringrazia Ax per aver creduto in lui. La folla scalpita, sembra già cotta a puntino. Si spengono le luci e parte un cortometraggio in cui un padre cattivo getta nella spazzatura il disco di J-Ax al figlio, ignaro del delirio che si scatenerà sul palco a breve. Lo stage si trasforma in un ring, passa qualche minuto e compaiono l’immancabile Space One e Guido Style, alla chitarra. Lo speaker annuncia l’ingresso del re, del campione: J-Ax entra saltando, accolto da un boato. L’atmosfera si scalda subito con “Ancora in piedi”, seguita da “Recidivo” e “Rapnroll”, pezzi cantati con Jake la Furia e Guè Pequeno, due dei Club Dogo, tra le molte sorprese della serata. I brani sono eseguiti alla perfezione, tantissima carica e molto coinvolgimento del pubblico, che è già in estasi. Ottimi i due DJ ed il batterista, che suonano letteralmente sulla testa di Ax. Si merita una menzione d’onore anche il visual artist che ha realizzato le splendide animazioni dello schermo sul palco. Un gradito regalo per i nostalgici degli Articolo sono “Spirale ovale” e “Domani smetto”, cantate a squarciagola da tutti i presenti, nessuno escluso. Sale l’adrenalina della data di apertura del tour di J-Ax con “Domenica da coma”, seguita a ruota da “I love paranoia” e “Tutta scena”. Il rap’n'roller non sbaglia un colpo, è davvero contento di essere tornato dal vivo con il suo nuovo lavoro, è gasato tanto quanto il pubblico, forse anche di più. Tutto scorre alla perfezione finchè arriva “Na bomba”, bella carica. E’ una notte da ricordare, d’altra parte “La notte vale tutto”: i ragazzi del pubblico sanno tutte le canzoni a memoria, e non sono solo giovanissimi, come sottolinea lo stesso Ax (e noi lo confermiamo, dato che, alle nostre spalle, c’era un gruppo di signore: potevano essere, presumibilmente, le zie dei fratelli Aleotti). La ciliegina sulla torta è “Più stile”, cantata in duetto con Guido, che fa impazzire letteralmente tutti, e anticipa “Farlo con te”, il “cosa” ve lo lasciamo ben immaginare. E’ da più di un’ora che l’ex Articolo 31 non smette di cantare, inneggiare e “tirare in mezzo” il pubblico aizzandolo. E’ il momento di un po’ di sana polemica: “Secondo la maggior parte della gente, voi dovreste essere tutti bimbi minchia e io un cattivo maestro… Qui se non stai attento da un giorno con l’altro diventi un mostro!” e lo dice mentre sul palco salgono Don Joe & Shalbo (altri della “Dogo gang” ). Insieme attaccano con “Il mostro sei tu”. Ma la “vecchia scuola” rimane la migliore, questo Ax lo precisa e fa un passo indietro con “Aumentaci le dosi”, a quando il rap’n roll era un concetto ancora da definirsi, a quando il rap puro della Spaghetti Funk ancora si faceva sentire. E il rap, lui, lo sa fare e, la gente, da lui, ancora lo vuole sentire. Immancabile il “terzetto” di canzoni romantiche: “Sei sicura” (accompagnato alla chitarra acustica dal produttore Franco Godi), “Non è un film”, “Ti amo o ti ammazzo” che preparano il campo all’entrata di Paolo Jannacci (figlio di Enzo) che con la sua fisarmonica supporta il rapper in “Altra vita”. Un fan particolarmente romantico si fa coinvolgere dall’atmosfera e, con una fugace incursione sul palco, dà un bacio ad Ax sulla guancia per poi sparire. Infine, è il momento del bis, è il momento di tornare a scatenarsi con gli ultimi pezzi. Dopo la potentissima “Musica da rabbia” arriva la domanda (e la canzone): “Allora! Era meglio prima?” Risposta: “No!!”. Il cerchio si chiude con “Deca dance” a dimostrazione del fatto che, sì, la dance anni’90 sarà anche finita, ma che non per questo si deve smettere di ballare. Almeno non stasera.

(Rossella Romano/Valeria Mazzucca)

“Ancora in piedi”

“Recidivo”

“Rap’n'roll”

“Fabrizio”

“Aqua nella scquola”

“Spirale”

“Uno di noi”

“Italianimal”

“Da Milano a Pizzo”

“Mi rifiuto”

“Domani smetto”

“Domenica da coma”

“I love paranoia”

“Tutta scena”

“Na bomba”

“Immorale”

“(La notte) vale tutto”

“Più stile”

“Farlo con te”

“Il mostro sei tu”

“Per una volta”

“I love my bike”

“Aumentaci le dosi”

“Questi ragazzini”

“Dentro me”

“Sei sicura”

“Non è un film”

“Ti amo o ti ammazzo”

“Altra vita”

“Accademia più snob”

“Musica da rabbia”

“Meglio prima”

“Deca dance”

Non una chiesa qualsiasi. E’ una chiesa piccola, bellissima e aggraziata nelle sue decorazioni. Ma rimane comunque una chiesa: “This place is intimidating”, dice Glen Hansard a inizio concerto. E’ in tour da solo, dopo la serie di date in apertura a Eddie Vedder in America. E’ sulla strada con un furgone, la sua solita chitarra scassata, un’altra elettrica, un road manager che sa cantare e un cantante che di volta in volta gli apre le serate (in questa c’è l’amico irlandese Oliver Cole). Glen sta provando le nuove canzoni, quelle che finiranno sul primo disco solista dopo anni con i Frames e dopo il periodo con la Swell Season, che gli è valso un Oscar e quella meritatissima fama che inseguiva da anni.

La chiesa fa metà del concerto perché Glen è davvero intimorito: quando cita, come fa spesso, “Sexual healing” di Marvin Gaye lo fa quasi sottovoce per rispettare la sacralità del luogo, e quando la canzone richiede una parolaccia, fa il segno della croce. E’ un intrattenitore, lo fa con ironia, ma non sta scherzando più di tanto.

E soprattutto adegua la sua musica al posto. Canta voce e chitarra, con i suoi crescendo, ogni tanto esplode come in “Leave”, ogni tanto la sua intensità assume un tono più basso e contenuto, rimane più compressa creando ancora più tensione. I due esempi estremi sono i due video che vedete qua: “Leave”, con il crescendo.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

E una emozionante e tesa “What happens when the heart just stops”, una delle poche canzone suonate alla chitarra elettrica, una delle tante in cui invoca il pubblico a cantare, e ne viene fuori un coro che l’acustica della chiesa, piena di riverbero, fa sembrare un inno religioso.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

La maggior parte della serata, Glen la passa con la chitarra acustica: ed è uno dei rarissimi artisti che non annoia in quella veste. Reggere un concerto così è impresa ardua anche per gente come Springsteen o Vedder (non sto dicendo un’eresia: il tour di “The ghost of Tom Joad” aveva diversi momenti di stanca, l’ultimo tour di Vedder, documentato da “Water on the road”, correva lo stesso rischio).

Ad un certo punto, Glen si fionda sull’organo, ma non funziona. Allora si dirige sul piano a coda in una delle navate laterali (che, per inciso, si trova a 1 metro da dove è seduto il Vostro…) e attacca un nuovo brano, incurante dei flash di cerca di scattargli una foto. Ogni tanto suona l’elettrica, ricordando il suono e la carica del suo allievo Jeff Buckley al Sin-é ( a cui Jeff arrivò grazie a Glen: al tempo era il suo roadie, e Glen – erano i primi anni ‘90- girava per i locali irlandesi grazie alla popolarità derivata dalla sua apparizione in “The committments”). Ogni tanto avanza nelle navate e canta senza amplificazione, divertendosi a fare cover, come suo solito (“Astral weeks”, “You ain’t going nowhere”: Van Morrison e Dylan..,).

Perché Glen ha sempre l’animo del busker. Anche quando propone le canzoni nuove quasi timidamente (“Non diffodetele su internet, per favore, le sto ancora provando”), anche quando chiude il set con una spettacolare versione  di “Forever young”, con il suo supporter Oliver Cole e con il suo roadie, che ha l’aspetto dell’impiegato delle poste ma ha una voce profonda e bellissima che lascia tutti di stucco.

E ha l’animo del busker anche quando dopo il concerto esce per strada e sta per un’ora a chiacchierare con i fan rimasti ad aspettarlo: ha un sorriso e una parola per tutti. Racconta che l’acustica del posto lo ha un po’ messo in difficoltà, chiacchiera, spiega e soprattutto ascolta. Mi dice di ricordarsi di quella volta che ha suonato per me a Milano, con quella spettacolare versione di Drive All Night, un regalo che io non ho mai dimenticato. “Dovremmo rifarlo, mi dice”. Ma chissa se è vero che se lo ricorda, chissa se è solo gentile: se anche fosse così, non ha nulla di quella paraculaggine di certi artisti, né sul palco né fuori. E’ semplicemente uno a cui piace fare il suo lavoro, è grato di poterlo fare, lo fa bene, benissimo.

La presenza di artisti come Hansard mi ricorda che c’è vita musicale oltre lo scioglimento della tua band preferita.

Una cosa che ovviamente so bene, ma questi erano i giorni giusti perché qualcuno come Glen Hansard me lo ricordasse.

(Gianni Sibilla)

Dal suo blog For Those About To Blog

A quel tempo i tre giovanotti inglesi stavano promuovendo il loro primo eponimo album, uscito nel settembre del 2008 e caratterizzato da un’ottima miscela tra elettronica, funk e new-wave. Quel concerto mi lasciò in bocca un bel sapore, apprezzai la bella carica sul palco della band di St.Albans ed il loro sound fresco e ballabile anche dal vivo.

Sono trascorsi due anni ed è passata parecchia acqua sotto i ponti. I Nostri hanno girato per il mondo in tour ed hanno dato alle stampe il secondo album “Pala”, un lavoro che ha confermato le buone qualità del disco d’esordio.

I primi a salire sul palco sono gli anglo/berlinesi I Heart Sharks, trio che propone un’interessante miscela tra elettronica, indie-rock e sfumature dubstep. Indubbiamente da tenere d’occhio per il futuro.

Sono quasi le 22 quando i Friendly Fires fanno il loro ingresso sul palco dell’ex teatro berlinese, a questo punto bello pieno per lo show. I ragazzi sono cresciuti e si presentano in sei, con due fiati ed un tastierista in più, mentre il frontman Ed MacFarlane spicca per la camicia variopinta e la sua faccia da ragazzo imberbe.

Uno si aspetta un inizio all’insegna del nuovo disco ed ecco invece una bella doppietta tratta da “Friendly Fires”: la funkeggiante “Lovesick” e la tribal/new-wave dell’ottima “Jump in the pool”. Si capisce subito che i Nostri non sono cresciuti solo di numero, ma anche sotto altri aspetti: tengono il palco da band sicura ed esperta ed hanno acquisito una personalità invidiabile. Ad esempio il cantante dopo tre brani scompare ed è già tra le prime file del pubblico a cantare a squarciagola la recente “Blue cassette”.

E’ difficile staccare gli occhi di dosso da MacFarlane che pare quasi indemoniato per come si muove e saltella da una parte all’altra del palco. Lo show alterna gli episodi dei due album all’attivo, con picchi di gradimento per il primo singolo estratto dal secondo album “Love those days tonight” e per quella che è forse la canzone più amata in assoluto dei FF, la sognante “Paris”.

Piccola pausa e la band torna on stage in quattro, lasciando i fiati negli spogliatoi. Il bis è affidato ad uno degli episodi migliori di “Pala”, ovvero la danzereccia “Hawaiian air” ed all’ultimo singolo tratto dal primo disco, “Kiss of life”, qui proposta in una coinvolgente e prolungata versione tribale e psichedelica. A fine concerto, dopo altre due passeggiate tra la folla, Ed è sudato e spompato all’inverosimile, mentre il pubblico può ritenersi più che soddisfatto: settanta minuti carichi, senza soste o cadute di stile, ed una band capace di una grande prova di maturità. Adesso possiamo dirlo senza titubanze: i Friendly Fires sono pronti per i grandi palcoscenici e c’è da scommettere che non tarderanno ad arrivare.

(Ercole Gentile)

SETLIST:

“Lovesick”

“Jump n the pool”

“Blue cassette”

“True love”

“On board”

“Chimes”

“Skeleton boy”

“Show me lights”

“Hurting”

“Live those days tonight”

“Pull me back to earth”

“Paris”

Encore

“Hawaiian air”

“Kiss of life”

Il Forum di Assago non è mai stato variopinto come stasera. Un arcobaleno di tonalità fluo, tutte dedicate a lei: Avril Lavigne. E’ bastato un tocco di pianoforte, un ticchettìo appena accennato che la folla, composta per lo più da ragazzine e da qualche volto noto (come il batterista dei Finley che si aggira discreto tra il pubblico) sia impazzita completamente. Un rombo assordante di urla, grida e di piedi picchiati a terra. Poi esce lei, la regina della serata e tutto si colora si verde: le ragazzine quasi si pentono di aver dato fiato alle trombe troppo presto. Ma la voce delle colorate e neo-punk teenager ritorna in un sol momento quando la bella canadese saluta Milano e attacca, con una stellina in mano, il primo singolo, estratto dal nuovo album “Goodbye lullaby”, intitolato “Black star”.  Sembra in ottima forma Avril: abbigliamento poco ricercato, passeggiate qua e là sul palco, saltelli, saluti al pubblico e un’intonazione niente male. La band alle sue spalle esegue perfettamente tutti i brani, come un compito in classe. “Italyyyyyyy?” Chiama Avril, e il Forum risponde. Si sentono più le urla che la chitarra di “Sk8ater boy” e forse e’ meglio così: i volumi troppo alti e i troppi effetti non rendono giustizia all’intro del brano, mentre sul ritornello la canzone riprende melodia e tiro. Avril non è di molte parole: a parte qualche “grazie” e alcuni “vi amo”, si relaziona poco col pubblico, se non abbassandosi a cantare, ogni tanto, rivolta ai fan nelle prime file ed incitando, talvolta, i ragazzi degli spalti. La punkette bionda imbraccia la chitarra quando e’ il momento di “He wasn’t”, cantata davvero bene, ma velocissima ed il ‘nanananan’ raccoglie tutti i fan in un solo e grande coro. Seduta sul pianoforte, dopo aver cantato “Alice”, omaggio ad “Alice in wonderland”, Avril intona la cover di “Fix you” dei Coldplay, non adatta al pubblico della serata, inizialmente ammutolito (ce li immaginiamo, i meno navigati, che si chiedono come abbiano fatto a perdersi un inedito della Lavigne di tale intensità musicale). Notevole l’esecuzione di una delle sue hit più famose, “When you’re gone”, sulla stessa scia di “Fix you”: sul finale, visto il testo e le sonorità malinconiche del brano, sarebbe stato piacevole se Avril, anziché ridere nervosamente e urlare “Milano”, si fosse preparata in maniera più raccolta per il brano successivo. Ma questa sembra essere a tutti gli effetti una festa, e forse, va benissimo così. “Wish you were here”, Il nuovo singolo, lo conoscono proprio tutti, ma è “Nobody’s home”, cantata in acustico, a colpire dritto al cuore i ragazzi del pubblico. Si arriva presto all’ultima parte del concerto, introdotta da una jam session dei musicisti che accompagnano Avril in tour: sono davvero bravi ma fin troppo professionali. Con “Girlfriend”, un medley di “Airlpanes” di B.O.B ed Hayley Williams, mischiata ad “Happy ending”, ed “I’m with you”, durante la quale la cantante indica affettuosamente il pubblico, si volge al termine. Il bis viene concluso con la super hit “Complicated”, pezzo che ha donato “fortune & fame” alla bella interprete. I fan presenti lasciano il palazzetto soddisfatti, di certo hanno passato una bella serata, da ricordare durante il lungo inverno tra lezioni, compiti ed interrogazioni. Per molti di loro, infatti, domani sarà il primo giorno di scuola.
(Daniela Calvi & Rossella Romano)
Setlist:
Black star
WTH
Smile
He wasn’t
I always get what i want
Alice
Fix you
When you’re gone
Wish you were here
Nobody’s home
(Unwanted musical piece)
Girlfriend
Airplanes/My happy ending
Don’t tell me
I’m with you
I love you
Hot
Complicated

(Luca Villa di PearlJamOnline.it – uno dei più important fan-site non solo italiani – è stato uno dei fortunati spettatori del weekend celebrativo che la band di Eddie Vedder ha tenuto lo scorso weekend. Gli abbiamo chiesto questo report in prima persona di quello che è successo. Tutti gli altri dettagli sull’evento li trovate qua)

“Venti anni di Pearl Jam non ci fanno sentire vecchi. Per noi è come una rinascita, un nuovo inizio” così dice Ed Vedder, a metà del secondo show della sua band ad Alpine Valley, suggestivo quanto sperduto angolo verde del Wisconsin, dove i Pearl Jam hanno scelto di celebrare la propria ventennale carriera con un doppio show nel corso di un evento lungo un weekend che ha regalato ai fan arrivati da tutto il mondo set pieni di rarità, apparizioni speciali e la consapevolezza di vedere una band al massimo del suo splendore, circondata da amici e colleghi che hanno contribuito collettivamente alla riuscita dell’evento.

Kelly Curtis, il manager della band, aveva iniziato a pensare a questo festival-evento dieci anni fa, durante una serata alcolica a Las Vegas. Superato lo scetticismo iniziale della band, poco propensa a eccessi autocelebrativi, Curtis è riuscito a coinvolgere gruppi di grande spessore come Strokes, Queens Of The Stone Age e gli altri grandi veterani di Seattle, i Mudhoney, legati indissolubilmente a doppio filo ai Pearl Jam nella ramificata genealogia musicale di Seattle risalente ai primi Anni Ottanta (fu dalle ceneri dei Green River che nacquero i Mudhoney, Mother Love Bone e in seguito gli stessi Pearl Jam). Artisti meno conosciuti come Star Anna, David Garza, Jason Lytle dei Grandaddy e Young Evils hanno trovato spazio accanto a grandi performer come Glen Hansard, Joseph Arthur, John Doe e altri, che si sono alternati entrambe le giornate in uno speciale second stage creato appositamente per loro (mentre Mudhoney, Strokes e QOTSA hanno avuto l’onore di calcare il palco principale).All’interno della zona espositiva collegata alla venue è stato persino allestito un Pearl Jam Museum dedicato alla memorabilia, dove i fans estasiati hanno potuto ammirare, tra le varie cose, la cassetta originale “Mamasan”, accanto ai poster delle varie ‘epoche’ e cimeli personali donati dai membri della band, tra cui facevano bella mostra t-shirts, abiti e quaderni di Vedder e gli eccentrici cappelli di Jeff Ament. Per avere un’immagine realistica della reale devozione che contraddistingue i fans della band, basti sapere che la durata media della coda per entrare al museo si aggirava sulle due ore.
Già nel corso del pomeriggio della prima giornata, sotto una pioggia battente, si è capito che non si trattava di un ‘normale’ festival quando Mike McCready è salito sul palco per un paio di pezzi durante il set di Star Anna, giovane promessa di Seattle. Durante il successivo set di Joseph Arthur è stato il turno di Jeff Ament, Matt Cameron e Mike McCready, che sono saliti sul palco per suonare il nuovo singolo dello stesso Ament, “When the fire comes”, e una cover di Arthur, la bellissima “In the sun”. Ovviamente Vedder non è stato da meno e si è unito agli Strokes sul main stage per cantare la loro Juicebox. “Cazzo, la canta meglio di me!” ha dovuto ammettere un divertito Julian Casablancas, che non ha mancato di dichiarare la sua devozione per i Pearl Jam: “Sono stati la prima band di cui ho suonato e cantato tutte le canzoni. E Lui ha la miglior voce che io abbia mai sentito”.
Alle 21.30 di Sabato è arrivato il momento più atteso: sulle note dell’ormai familiare intro di Philip Glass sono comparsi i Pearl Jam, che hanno dato vita ad un set forse non del tutto compatto ma a dir poco originale, aperto da un’intensissima versione di “Release”. Vedder, la sera seguente, ha scherzato sul fatto che avrebbero potuto suonare qualunque canzone e il pubblico l’avrebbe riconsciuta all’istante. E così è stato. Per la gioia dei fans, sono state proposte in rapida successione varie ‘perle’ come “Who you are” (con Glen Hansard e Liam Finn ai cori), “In my tree”, “Deep”, “Help help”, “Education” (con Liam Finn) e “Push me pull me”. Si è anche assistito alla premiere assoluta della versione full band di “Setting forth”, tratta da “Into the wild” di Ed Vedder, e di “In the moolinght” con la partecipazione di Josh Homme. Durante “Not for you” è stato il turno di Julian Casablancas che ha duettato con Vedder. A seguire sono state proposte due canzoni presenti nella colonna sonora di “Singles”, “State of love and trust” (con Dhani Harrison, il figlio di George,  alla chitarra) e “Breath”. Il rischio di un evento del genere era l’eccesso di auto-celebrazione, ma la modestia, l’umiltà e la gratitudine dimostrati dalla band in ogni singolo momento di questo lungo weekend ha dissipato ogni dubbio. Vedder, d’altronde, ha voluto mettere le cose in chiaro da subito: “Benvenuti al PJ20! E benvenuti al 14° dei Queens of the Stone Age, al 10° degli Strokes, al 14° Liam Finn, al 23° dei Mudhoney… e poi c’è un tizio che ha cominciato nel 1977 in una band che si chiamava X… la torta è sua, Mr John Doe, benvenuti al 34° di John Doe!”.
“Quando sei un ragazzo, è  difficile da immaginare, pensi che la musica sia la cosa più potente dell’universo, ma gli adulti che ti circondano sono pragmatici e ti dicono che non potrai mai avere successo in una band. Trovati un bel lavoro da muratore. Noi non li abbiamo ascoltati. Voglio ringraziare il ragazzo che ero ai tempi per aver creduto nella sua passione” ha commentato Vedder dopo un’epica versione di “Better man”. Ha poi proseguito ringraziando Boom, il tastierista ormai membro effettivo della band, per essere stato presente ad ogni show della band negli ultimi dieci anni. Durante il primo encore, dopo una tiratissima versione di “Reaviewmirror”, un Vedder visibilmente emozionato ha presentato Chris Cornell, il cantante dei Soundgarden. La band ha quindi eseguito, per la prima volta nella sua carriera, “Stardog champion”, cover dei Mother Love Bone, la band nella quale hanno militato Ament e Gossard prima di formare i Pearl Jam, capitanata dal defunto leader Andy Wood, grande amico dello stesso Cornell. In un toccante omaggio all’amico scomparso, Chris ha proposto insieme ai Pearl Jam un’intensa versione di “Say hello 2 heaven” (mai suonata dal vivo insieme a Gossard e company), seguita da “Reach down” (impreziosita da un incredibile trio di coristi: Vedder, Hansard e Finn) e da “Hunger strike”, l’anthem dei Temple of The Dog, che ha sicuramente fatto scendere più di una lacrima ai presenti. Lo show della prima serata si è concluso con una versione al cardiopalma di “Kick out the jams” degli MC5 suonata insieme ai Mudhoney.
La seconda giornata si è aperta nuovamente con vari pop-up di Mike McCready, Matt Cameron e Jeff Ament nei set di Star Anna e di Joseph Arthur. Durante il set di Liam Finn, che il giorno prima aveva tributato i Pearl Jam con un’originale quanto bizzarra cover di “Habit”, il cantante dei Pearl Jam è salito sul palco per suonare la batteria e cantare il pezzo che il giorno prima il giovane Finn aveva eseguito in solitaria. Poco dopo, nuova incursione di Vedder durante lo splendido set di Glen Hansard per un emozionante duetto su “Falling slowly”. Con un cielo pieno di nuvole in movimento e con il sole che finalmente splendeva nel magico scenario dell’Alpine Valley Music Theatre, la sensazione era di assistere a qualcosa di unico. Continuando con questo gioco di contaminazioni e tributi musicali reciproci che tanto piace ai membri dei Pearl Jam, Vedder è salito on stage anche durante il set di John Doe per cantare “The Golden State” e per parlare della liberazione dei West Memphis Three dopo 18 anni di carcere. Non solo, durante il set dei Queens Of The Stone Age Vedder ha suonato il cowbell e fatto i cori su “Little sister”, mentre durante il concerto degli Strokes ha nuovamente duettato con Casablancas su “Juicebox”.
Ovviamente l’attesa era tutta per i Pearl Jam, che nel corso del pomeriggio avevano deciso di anticipare di mezz’ora l’inizio del loro show in quanto, come riportava un comunicato stampa, “per la band l’unico rammarico della sera precedente è di non di aver potuto suonare per più tempo”. “Wash” ha dato il via ad uno di quegli shows che sono già entrati a far parte della storia della band. “Given to fly” (dedicata a Dennis Rodman, presente in platea) ha emozionato tutti, così come una riuscitissima versione di Daughter con in coda la cover dei Dead Moon, “It’ Ok”. Durante “Love boat captain”, Vedder ha ricordato commosso le recenti tragedie dell’Indiana State Fair e del Pukkelpop in Belgio, lasciando intendere quanto il ricordo di Roskilde sia ancora una ferita dolorosamente viva nei loro cuori. Se la prima serata, così piena di chicche e rarità, è stato principalmente uno show per i die-hard fans della band, questo secondo concerto ha fatto capire meglio ai presenti perchè i Pearl Jam vengono considerati, a distanza di vent’anni dalla pubblicazione di “Ten”, una delle rock bands più importanti di questi ultimi due decenni. Anche la seconda serata ha regalato pezzi raramente suonati negli ultimi anni come “Habit” (con Liam Finn), Leatherman, una carichissima versione di “Satan’s bed”, “Red mosquito” (sulla quale ha cantato un superlativo Casablancas) e “The new world” (cover degli X con John Doe) intervallati da pezzi di sicuro impatto emotivo come “Unthought known” (dedicata al “settimo” membro della band, il producer Brendan O’Brien), “Small town”, “Black” e “Jeremy”, che ha concluso il main set.  Nel primo encore, Vedder, armato di sola chitarra acustica, è salito sul palco per proporre una nuova ballata scritta il pomeriggo stesso e che ha riassunto lo spirito dell’intero evento, “Couldn’t have told me back then that it would someday be allowed to be so in love with life, as deeply as we are now, never thought we would, never thought we could, so glad we made it, I’m so glad we made it, I’m so glad we made it to when it all got good.” In certi momenti sembrava quasi di vedere quei vecchi video del tour di “The river” di Bruce Springsteen, quando il Boss saliva sul palco per suonare un paio di pezzi in acustico. Lo spirito e le intenzioni sono sicuramente quelle. A seguire, un paio delle migliori ballate dei Pearl Jam, Just Breathe e Nothingman, quindi un simpatico siparietto tra Vedder e Gossard ha introdotto “No way”, composta dallo stesso Gossard, il quale voleva con molto modestia saltare la sua canzone per lasciare spazio alla cover di Public Image dei PIL, mentre Vedder insisteva per il contrario. La scelta è stata lasciata al pubblico, con risultato scontato: sono state suonate entrambe. “Smile”, cantata insieme a Glen Hansard, e “Spin the black circle”, dedicata ai gestori di piccoli negozi di musica che stanno purtroppo chiudendo in questi anni, hanno chiuso il primo set. Vedder ha ringraziato Jeff e Stone per la loro amicizia che dura da 25 anni. Un grande momento: Jeff Ament ha anche mandato un bacio “al volo” a Gossard.
Dopo due ore e mezza di musica tutti i presenti pensavano ad un altro paio di canzoni prima della conclusione dello show e invece… “E’ un onore per me fare gli auguri a questa band, tenere insieme una band per vent’anni non è facile, quindi facciamo un po’ di casino per questi magnifici vent’anni” ha detto Chris Cornell prima di dare vita alla seconda reunion di questo festival dei Temple Of The Dog sull note di “Hunger strike” e di memorabili versioni di “Call me a dog” e “All night thing”, che non venivano eseguite live da oltre vent’anni. “Siccome ieri sera non ricordavo alcune parole è meglio che la riproviamo ora”  ha detto Cornell prima di buttarsi in un’ incredibile versione di “Reach down” con Mike McCready a farla da padrone. Una tostissima versione di “Sonic reducer”, cover dei Dead Boys, ha visto la partecipazione di Steve Turner e Mark Arm dei Mudhoney come ai vecchi tempi (questa cover è stata spesso eseguita dalla due bands nel tour di Vs. del 1993). Vedder ha quindi ringraziato Matt Cameron, riconoscendogli il grande merito di aver tenuto in piedi la band negli ultimi dieci anni e ha ricordato anche Neil Young, che li ha presi sotto la sua ala protettrice tanti anni fa. I ringraziamenti finali sono stati tutti per la ‘grande famiglia’ dei Pearl Jam, tecnici e roadies che da anni li accompagnano fedelmente, e per le grandi donne presenti nel backstage, mogli e compagne. Per concludere questa celebrazione non potevano certo mancare Alive, il loro anthem più conosciuto, “Rockin’ in the free world” di Neil Young suonata con tutti i musicisti presenti all’evento e una “Yellow ledbetter” con protagonista assoluto Mike McCready, che ha deliziato tutti eseguendo “The Star-Spangled Banner” sull’outro del pezzo.
Non c’era davvero modo migliore per celebrare i vent’anni dei Pearl Jam. In questi due shows la band ha fatto capire quanto la loro musica abbia avuto un impatto incommensurabile sui fan, sulle bands da loro invitate (vedere Casablancas che si divertiva come un bambino a cantare le canzoni della sua band preferita è stato grandioso) e, in generale, sulla musica rock delle ultime due decadi. Vedere Vedder e Cornell cantare insieme i pezzi dei Temple Of The Dog è stata forse l’emozione più forte. E così come Kelly Curtis aveva iniziato a pensare a questo evento durante una nottata alcolica di dieci anni fa, i Pearl Jam sono stati in grado di ubriacarci della loro musica per un intero week end dove tutto è stato perfetto, in ogni minimo particolare. Ma, come ha detto anche Eddie Vedder, questo è solo l’inizio.

(Luca Villa – PearlJamOnLine.it)

(Alfredo Marziano)

Setlist

“Second nature”
“Slow”
“Sun Ra”
“Fell off the floor, man”
“The architect”
“Constant now
“Smokers reflect”
“Instant street”
“If you don’t know what you want”
“Theme from turnpike”
“Ghosts”
“Bad timing”
“Serpentine”

(bis)
“Favourite game”
“Dark sets in”
“Suds and soda”

(Alfredo Marziano)

Non è facile salire sul palco dopo una simile performance, ma i giovanissimi fan di Ben Harper che hanno rimpiazzato i vecchi gourmet rock nelle prime file della platea sono qui per lui. Sciolto e carismatico, vestito semplicemente in jeans e maglietta bianca, si manifesta alle 21.46 come da programma aprendo quieto e in solitaria con la chitarra acustica (“Burn one down”) prima di una “Diamonds on the inside” un po’ troppo dentro le righe: i Relentless 7 che lo accompagnano in tour (Jason Mozersky chitarra solista, Jesse Ingalls basso, Jordan Richardosn batteria, Justin Pate pedal steel e tastiere) confermano di non valere i vecchi Innocent Criminals. E’ socievole e loquace come sempre, Ben, si sente “the luckiest musician in the world” (“perché siete ancora qui, e io sono ancora qui”) prima di introdurre una nuova canzone d’amore, “Masterpiece”, ispirata al suo amico skateboarder Mike V (più avanti un altro inedito, “Vein in vain”). Poi, finalmente, ci ricorda che il rock’n'roll è gratis e si scatena alla lap steel (“Burn to shine”) evocando i fantasmi hendrixiani che più tardi si manifestano compiutamente in “Ground on down”. Con “Don’t trust a woman” si sale sul treno sbuffante del soul, il basso  pulsa nelle gambe delle prime file e c’è spazio anche per un breve assolo di batteria; Harper però sembra più incline all’acustico, e ringrazia il pubblico per la devozione silenziosa capace di riprodurre in un’arena affollata l’atmosfera intima di un piccolo club (“Walk away”). Dopo l’omaggio a Roy Orbison (e Tom Petty) di “Don’t give up on me” arriva il momento magico dello show: in “Where could I go” (dal disco con i Blind Boys of Alabama) Ben evoca lo spirito dei grandi shouter, di Otis Redding e di Solomon Burke cantando senza microfono, sfoggiando falsetti e ruggiti di gran classe e tirando fuori l’anima. Giustamente il momento più applaudito del set, che apre la strada ai crowd pleaser finali: “Better way”, una vigorosa e convincente cover della “Ohio” di Neil Young e la chiosa delicata, di nuovo voce e chitarra acustica, di “With my own hands”. Davanti a un pubblico giovane e adorante Harper vince a mani basse con un concerto equilibrato, impeccabile, magari un filo troppo “educato” e breve (un’ora e quaranta minuti) per le attese di qualche fan più smaliziato. Ma scusate il vecchio cronista, se ha ancora in testa le magie da medicine show dei Band Of Joy, e i brividi a fior di pelle per quella “Tangerine” di qualche ora prima…

(Alfredo Marziano)

Mi sono reso conto che questa estate tutta la nostalgia per la musica con cui sono cresciuto mi sta presentando un conto piacevolissimo da saldare. Dopo aver salutato Bob Dylan, Roger Waters ora Paul Simon e quasi quasi mercoledì farò un salto, sempre da queste parti, a vedere come se la passa mister Robert Plant.

(Paolo Panzeri)

Setlist:

The boy in the bubble

Dazzling blue

50 ways to leave your lover

So beautiful or so what

Vietnam

That was your mother

Hearts and bones

Mystery train

Slip slidin’ away

Rewrite

Peace like a river

The obvious child

The only living boy in New York

The afterlife

Questions for the angels

Diamonds on the soles of her shoe

Gumboots

The sound of silence

Kodachrome

Gone at last

Here comes the sun

Crazy lov

Late in the evening

Still crazy after all these years

You can call me Al

(Giovanni Ansaldo)

Clicca qui per vedere il video incorporato.

(Gianni Sibilla)

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Dopo quei momenti così rarefatti “Rain on the scarecrow” è un rombo di tuono, il vecchio coguaro ritira fuori gli artigli e ricomincia a ringhiare. Da lì in poi il concerto cambia ritmo e volume, tra gli irresistibili riff stonesiani di “Crumblin’ down”, il boogie rock della recente  “If I die sudden” (a proposito della caducità della vita..), l’immancabile “Pink houses” e un’esplosiva “Rock in the U.S.A.” con tanto di fan chiamato sul palco a urlare nel microfono. Così anche i vecchi cronisti e i nostalgici del vecchio Cougar sono sistemati, anche se intanto sta scoccando la mezzanotte, i bis non rientrano nel programma e chi ha perlustrato in anticipo le scalette del tour lamenta la mancanza di tre pezzi dalla setlist (sulla brevità del concerto, un’ora e quaranta scarse, varranno forse le parole spese dal promoter Claudio Trotta su Facebook a proposito dell’esibizione dei Black Crowes di due giorni prima: le trovate a questo indirizzo. Ma sono piccoli fastidi, tutto sommato. Quel che conta è che Mellencamp aveva ragione, quando spiegava alla nonna di avere ancora tante canzoni da cantare prima di essere pronto per l’aldilà.

(Alfredo Marziano)

Setlist:

“Authority song”
“No one cares about me”
“Death letter”
“John Cockers”
“Walk tall”
“The West End”
“Check it out”
“Save some time to dream”
“Cherry bomb”
“Jack and Diane”
“Jackie Brown”
“Longest days”
“Small town”/”The old rugged cross”
“Rain on the scarecrow”
“Crumblin’ down”
“If I die sudden”
“Pink houses”
“Rock in the U.S.A.”

Clicca qui per vedere il video incorporato.

(Gianni Sibilla)

Setlist:
Sting Me
Jealous Again
Good Morning Captain
Soul Singing
Wiser Time
Poor Elijah / Tribute To Johnson
Oh Josephine
Thorn In My Pride
Hard to handle
She Talks To Angels

Encore:
Remedy

E’ in quel momento, quello quando parte “Wake up” – ovvero la canzone che gli U2 non riescono a scrivere da 15 anni, come si disse qualche tempo fa – che perdoni anche le poche debolezze degli Arcade Fire, compresa quella di far seguire a cotanto capolavoro la deboluccia “Sprawl II”, poco più che un divertimento ai limiti del kitsch quasi quanto il  commento di Win Butler sulla bontà del cibo italiano.

Gli Arcade Fire suonano all’Arena Civica all’interno del Milano Jazzin Festival e arrivano sul palco poco prima delle 10, dopo Cloud Control e White Lies e dopo un breve filmato sui megaschermi accolto con ovazioni dal pubblico. Pubblico delle grandi occasioni, peraltro: volti noti nel parterre (avvistati Marlene Kuntz, Baustelle e Dente), evidenti appartenenti a tribù indie, che si confondono nel marasma di gente di ogni tipo ed età. E’ questo il segnale più bello, la consacrazione definitiva del gruppo e della sua trasversalità. Partenza subito forte, con “Ready to start”. Il suono è comunque equilibrato e  la band piazza quasi subito un’inaspettata “My body is a cage”, che con il suo incedere funereo e la sua partenza rappresenta il lato migliore dell’epica della band. Proprio quell’epica che – come mi faceva notare un amico in una discussione sui social network  ribattezzata “Arcade flame” in cui si provava a parlar male della band – su disco rischia spesso di portare alla noia. Dal vivo il problema non si pone, e lo dimostra il resto del concerto, con una scaletta strutturata in maniera diversa da quella di Bologna dell’anno scorso, e che rinuncia pure a “Suburban war”, uno dei brani migliori di “The suburbs”, ma che non per questo perde colpi.

Lo spannometro segna il vantaggio degli Arcade Fire: hanno suono, repertorio, presenza scenica – con quel giochino delle sedie musicali che li vede spesso cambiare strumenti. Tutto questo li pone spanne sopra  molte altre band contemporanee. Poi, certo, si possono ripetere alcune delle cose che dicemmo a proposito del loro concerto di un anno fa. Ovvero che tendono a mettere troppa roba nella loro musica e che i generi musicali che citano ogni tanto sembrano in frizione più che in fusione. Ogni tanto sono un po’ citazionisti: a me e a qualche amico quarantenne tornava spesso in mente la “big music” dei Waterboys dei tempi d’oro.

Ma sono dettagli. Perché hanno ragione loro, se la risposta del pubblico è quella che si è vista questa sera e se loro riescono a tenere questo livello di intensità. L’unico vero difetto,  è la profondità del repertorio: concerto davvero troppo breve per una band che ormai se la gioca con i grandi nomi del rock. Ma dategli qualche anno, e risolveranno anche questo.

(Gianni Sibilla)

Setlist:

Ready to Start
Keep the Car Running
No Cars Go
Haïti
My Body Is a Cage
Crown of Love
The Suburbs
The Suburbs (Continued)
Month of May
Rococo
Neighborhood #2 (Laika)
Intervention
Neighborhood #1 (Tunnels)
We Used to Wait
Neighborhood #3 (Power Out)
Rebellion (Lies)
Encore:
Wake Up
Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)

Bob Dylan

(Giovanni Ansaldo)

Setlist:

1. Leopard-Skin Pill-Box Hat
2. When I Paint My Masterpiece (Bob on guitar)
3. ‘Til I Fell In Love With You
4. I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met)
5. Summer Days
6. Spirit On The Water
7. Tweedle Dee & Tweedle Dum (Bob on guitar)
8. Can’t Wait
9. The Levee’s Gonna Break
10. Visions Of Johanna
11. Highway 61 Revisited
12. Forgetful Heart
13. Thunder On The Mountain
14. Ballad Of A Thin Man

(encore)
15. Like A Rolling Stone
16. All Along The Watchtower
17. Blowin’ In The Wind

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Dopo qualche altro momento revival, neanche troppo remoto con “Rock’n'roll show” e “Siamo soli”, la prima parte del concerto rimane incentrata sui nuovi brani come “Dici che”, “Vivere o niente” e “Manifesto futurista della nuova umanità”: “Vivere o no. Se uno non vive sta un po’ così, a volte bene, a volte male. Se uno vive, invece, deve fare delle scelte, e le scelte a volte sono rischiose, ma sbagliando si impara ed è così che ci si sente vivi. La libertà va difesa a costo di morire”. Con queste parole, dette come solo Vasco può fare, con mille pause, ammiccamenti al pubblico, occhi sgranati e parole trascinate, il rocker lascia il palco per un intermezzo musicale che vede protagonista sul finale la chitarra di Stef Burns.
La seconda parte del concerto prende il via con “Alibi”, ma è con “Gli spari sopra” che il pubblico, da quasi un’ora sotto la pioggia battente, entra nel vivo del concerto. A seguire la travolgente “Non l’hai mica capito” durante la quale Vasco guarda il pubblico delle prime file e dice: “Molti di voi non erano mica nati quando ho scritto questa canzone… In realtà è talmente vecchia che prima è nata la canzone e poi sono nato io”. Si prosegue con altri due brani del nuovo disco, “Aquilone” che sul finale – come nel disco – regala un assaggio di “Vado al massimo”, e il primo singolo, la canzone che tutti aspettavano, “Eh già”, con quel sax che ricorda molto le atmosfere di “Cosa succede in città” del 1985 e il ritornello che coinvolge tutti “Col cuore che batte più forte la vita che va e non va”. Arriva il momento che fa saltare in piedi tutti quanti, il medley con “Rewind”, “Ti prendo e ti porto via”, “Gioca con me” e “Delusa”. La passerella allestita a San Siro si trasforma in una pista da ballo per ospitare le ballerine in body colorati che sfidano la pioggia e portano a casa un’ottima esibizione: “Brave, belle. Belle, brave… belle insomma”, dice Vasco con quel suo tono, “Abbiamo voluto provare, è un esperimento nuovo”, sempre riferito alle ballerine, “Magari c’è a chi piace e a chi non piace. Ognuno è libero poi di pensare come vuole… a noi piace”. “Canzone” regala a tutto il pubblico un tuffo nei ricordi, un’emozione che sale a fior di pelle e che – per chi ci crede ancora – fa inumidire gli occhi, specie se a cantare quelle parole è un Vasco che entra nella parte, che chiude gli occhi e si lascia trasportare dal coro dei fan. Dopo “Vivere non è facile” arriva il momento acustico dove Vasco imbraccia la chitarra e da solo sul palco, sopra a una pedana posizionata sulla passerella vicino al pubblico, intona “Tango (della gelosia)” e da vita ad uno dei momenti più intensi di tutto il concerto cantando ed emozionandosi lui stesso con “Sally”. Il rocker su questo brano si guarda in giro, come se quasi si sentisse intimidito lì da solo davanti a tutta quella gente. Il pubblico quasi gli copre la voce e allora lui scandisce bene le parole, le recita quasi, le mima con gli occhi, con le espressioni, con le sue pause… Vasco c’è, eccome se c’è, e non è solo, infatti dopo la splendida “Guarda dove vai” (unico inedito presente nel doppio album dal vivo “Fronte del palco” uscito nel 1990) si esibisce in “Un senso” e presenta la band: Matt Laug alla batteria (“il batterista dei miei sogni”), Andrea Rocchetti, pianoforte e tastiere (“una colonna umana e bestiale, anzi, più bestiale”), Andrea Innesto al sax (“lui piace molto alle ragazze… è il miglior sassofonista d’Italia”), Frank Nemola, tromba e tastiere (“uno che suona di tutto e fa anche cose strane”), Clara Moroni, vocalist (“lei potrei anche non presentarvela, è sempre la più bella”), Stef Burns alla chitarra (“lui è il nostro chitarrista innamorato, si è appena sposato con Maddalena, non ho mai visto una coppia così bella… faccio tanti auguri a tutti e due e anche alla creatura che nascerà tra poco. Volevo sposarlo io”), Claudio Golinelli al basso (Vasco si scorda quasi di presentarlo e lo apostrofa con il suo soprannome), Maurizio Solieri, chitarra (“lui invece è la chitarra imbestialita”) e un saluto al mai dimenticato Massimo Riva: “Ciao Massimo”, urla al cielo Vasco, “sei sempre con noi, viva Massimo Riva”.
Lo show termina con “Vita spericolata” (“Ognuno in fondo perso dentro al suo facebook”, canta il Blasco) e con l’immancabile “Albachiara” che incendia i cuori di tutti e fa alzare a chiunque, giornalisti, fan, addetti alla sicurezza, mis credenti e fanatici, le braccia al cielo. Vasco può farlo, Vasco fa parte della vita di tutti, che lo si voglia o meno.

(Daniela Calvi)

“Sei pazza di me”
“Non sei quella che eri”
“Starò meglio di così”
“Giocala”
“Rock ‘n’ roll show”
“Dici che”
“Vivere o niente”
“Manifesto futurista della nuova umanità”
“Siamo soli”
“Alibi”
“La fine del millennio”
“Gli spari sopra”
“Non l’hai mica capito”
“L’aquilone”
“Eh già”
Medley: “Rewind”, “Ti prendo e ti porto via”, “Gioca con me”, “Delusa”
“Canzone”
“Vivere non è facile”
Vasco con chitarra acustica: “Tango (della gelosia)”, “Sally”
“Guarda dove vai”
“Un senso”
“Vita spericolata”
“Albachiara”

Siamo a Manchester, 150km da Nashville, Tennessee. “Music City U.S.A.” la chiamano gli americani, e non potrebbero avere più ragione. Questa è la città della country music, come Memphis è la città del Blues. Qui hanno inciso per la prima volta Elvis, Johnny Cash e Jerry Lee Lewis. Di queste parti sono i Kings of Leon. Qui è nato il rock & roll.

Il Bonnaroo Festival è uno dei più importanti festival rock del continente americano, alla pari del Coachella e del Lollapalooza. Si tiene in un’immersa fattoria, 80.000 “rooers” vengono da dieci anni e da ogni stato americano e canadese. 15-20 ore di macchina per rendere omaggio ai maggiori artisti americani e non. Se infatti le superstar qui sono Eminem, Arcade Fire, My Morning Jacket e Widespread Panic, c’è anche il nostro Jovanotti a rappresentare l’Italia.

L’appuntamento è fissato alle 15h del sabato pomeriggio. A quest’ora  il caldo è asfissiante, la birra è gelida e i bikini sono numerosi. Lo sa molto bene Jovanotti, subito infiamma i coraggiosi che osano sfidare i 36 gradi all’ombra del Tennessee. E’ un Lorenzo molto felice
e fiero di rappresentare la nostra penisola, è venuto qui per questo, invitato da Eugene Hütz, lo scatenato frontman dei Gogol Bordello, incaricato dall’organizzatore del festival di delineare la line-up di uno stage per il sabato. E’ un onore per Jovanotti essere presente, e
non manca di ripeterlo più e più volte.

Vuole improvvisare con il pubblico, con la “beautiful people from Bonnaroo”. La jam session di un’ora inizia con “Non m’annoio” e il beat è irresistibile. L’interazione con il pubblico è fantastica, la migliore in assoluto del weekend. Questa è la vera arma in più del  nostro cantautore, poco importa essere ad Assago o nella campagna americana. Non manca la lezione di lingua nella setlist, italian lesson number one: “Serenata rap, affacciati alla finestra amore mio”. Bastano poche ripetizioni e molti cantano, tutti si sentono subito
italiani, tutti si sentono romantici. Un altro sing-along non tarda ad  arrivare sulle note di Io penso positivo, e allora capisco di non essere il solo italiano: vedo con piacere un tricolore sventolare, riconosco almeno una decina di facce indiscutibilmente mediterranee.
Forse sono studenti in scambio, forse sono italo-americani,  numerosissimi, come il ragazzo di NY, nonni veneti. Parla un italiano perfetto, mi chiede: cosa ci fai tu qui? Io gli rispondo: “this is the place to be”, e Jovanotti lo sa. E’ arrivato il turno per “L’ombelico  del mondo”. E allora Mr Jovanotti balla. Si agita. Salta. Suda. Suda tanto, non si risparmia, vuole imprimere il suo sound nella testa degli americani, vuole far capire come si fa in Italia. “My english is bad but my sound is perfect”. Anche il frontman dei Gogol Bordello ha voglia di ballare, ha tanta energia in corpo e salta sul palco. Vuole cantare con Lorenzo, vuole cantare con lui “L’italiano”, la canzone italiana per eccellenza. E’ un momento unico e irripetibile, due grandissimi entertainers insieme sul palco. Il pubblico impazzisce e si pela le mani quando Eugene Hütz annuncia a seguire un acoustic set dei Gogol Bordello. Non è nel programma, ma subito si sparge la voce e i fan del gruppo gipsy punk più famoso del mondo arrivano numerosissimi. I miei programmi saltano, tra poco suonano i Mumford & Sons, uno dei concerti più attesi dell’intero weekend. Ma questo è un festival, questa è la musica: improvvisazione.  E Jovanotti è un genio in questo. E l’italian Funky Grandmaster.

(Alessio Zolesi)

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Concubine”

“Dark horse”

“Heartache”

“Hellbound”

“Lonewolves”

“Runaway”

“Bitter and then some”

“The high cost of playing God”

“Reap what you sow”

“Cutter”

“Worms will feed/Rats will feast”

“On my shield”

“Axe to fall”

“Wishing well”

“Damage”

“First light”

“Eagles become vultures”

“The broken vow”

“Drop out”

“Last light”

La serata è arrivata, e si tiene al Magnet Club, un piccolo tempio per l’indie-rock berlinese. Il clima dentro al locale è torrido e sono le 21 quando l’ottima Marta Collica (che risiede ormai da qualche anno in città) intrattiene i primi arrivati. La sala si riempie lentamente e quando scocca l’ora degli After ci sono un centinaio di persone circa. La prima sorpresa è scoprire che con Agnelli, Prette, Dallera, D’Erasmo e Ciccarelli, c’è anche lo storico chitarrista Xabier Iriondo, rientrato nella line-up per alcune date nell’estate del 2010 ed ancora presente al fianco della band. Si comincia con un brano provocante come “Estate” tratto da “Non è per sempre” cui seguono diverse canzoni in inglese tratte da “Ballads for little hyenas”, versione anglosassone di “Ballate per piccole iene”: “White whidow” (“La vedova bianca”), “The thin white line” (“La sottile linea bianca”), “Andrea’s birthday” (“Il compleanno di Andrea”) e “Judas’ blood” (“Il sangue di Giuda”). Brani che in inglese funzionano bene, come già su disco. Però il pubblico (composto da compatrioti) li vorrebbe cantati nella madrelingua, (perchè è così che li hanno amati ed imparati a memoria) e non perde occasione di urlarlo ad Agnelli (significativo un “Facci sentire a casa!”). La band torna all’italiano con  “Le verità che ricordavo” e “Milano circonvallazione esterna” (tratte ancora da “Non è per sempre”), “Pochi istanti nella lavatrice (da “I Milanesi ammazzano il sabato”), la splendida “Bye bye Bombay”, cantata a squarciagola dal pubblico (strappando anche un sorriso a Manuel) e “Quello che non c’è” (che invece chiude il secondo bis e di conseguenza lo show), entrambe dall’omonimo album. Insomma, gli Afterhours sono sempre una garanzia di uno show rock carico ed emotivo, anche fuori dalla “comfort zone” di un concerto in Italia. Spiace soprattutto per la durata breve del set (poco più di un’ora) e per la poco nutrita presenza di pubblico internazionale che gli After avrebbero sicuramente saputo conquistare.

(Ercole Gentile)

E la musica? Shadow sta per pubblicare un nuovo lavoro intitolato “The less you know the better” – che andrà sicuramente ad incrementare la sua collezione privata, composta si dice da più di sessantamila album – da cui pesca gli inediti “I gotta rock” (già reperibile sull’omonimo ep fresco di stampa) e “Def surround us”. E’ però sui successi del passato che si fonda il set, qui in versione ovviamente remixata, e pompati all’estremo. “Building steam with a grain of salt”, “Walkie talkie” e “This time” aprono le danze: il suono è corposo, sintetico, acido e trip hop da manuale. Arriva poi la già citata “Def surround us”, seguita da “Redeemed”, “Stem/long stem”, “Six days”, e dall’acclamatissima “Organ donor” in chiusura di set. La gente balla, canta, accompagna Shadow che compare sporadicamente ruotando la sfera per mostrarne l’interno. Pochissime le parole spese: “Quella di stasera è tutta roba mia, spero che vi piaccia”, e “Forse questo è il mio show migliore in Italia. Non parlo la vostra lingua ma grazie mille”. Da uno che si chiama Shadow, non mi aspettavo certo un comizio. Rientro quasi immediato per l’encore con “Blood on the motorway”, “Napalm brain/scatter brain” e la travolgente “High noon” in chiusura dopo un’ora e mezza passata velocissima, mentre sullo schermo scorrono prima le immagini della costruzione della sfera e poi i titoli di coda, proprio come in un film: regia, produzione, contributi, effetti digitali, cast, crew e via dicendo.

Shadowsphere è senza dubbio uno spettacolo da vedere: l’idea è buona e la realizzazione anche meglio. Il matrimonio audio/video funziona alla perfezione, coinvolge e fa ancora più effetto se si considera che stiamo parlando di un live. Tutto questo tripudio d’immagini però non deve distrarre dal fulcro della questione: prima di tutto, e sopra tutto, DJ Shadow si è confermato un grandissimo musicista. Speriamo solo di non dover aspettare altri dodici anni prima di rivederlo su un palco italiano.

(Marco Jeannin)

Le parole rapite e trepidanti di Munaf Rayani introducono l’arpeggio di “Yasmin the light” sul palco dell’Estragon di Bologna. E come sempre, la magia si compie. Non so bene come funziona: prima eri fuori, poi in un lampo ci sei dentro fino al collo. Gli occhi si chiudono, le chitarre iniziano a volteggiare e inizia una discesa, lenta ed inesorabile, verso le radici del suono. Il suono degli Explosions In The Sky, un flusso continuo che scivola dagli amplificatori e penetra nella testa attraverso le orecchie, il viso, i capelli, giù fino allo stomaco.

Un’ora e venti quasi in apnea, vissuta fino in fondo, respirata, goduta in ogni suo singolo momento sul palco tanto quanto in platea. “Last known surroundings”, “Catastrophe and the cure”, “The only moment we were alone”, “Postcard from 1952”, “Greet death”, “Your hand in mine”, “The birth and death of the day”, “Let me back in”. Suoni lenti, distorti, sussurrati, che deflagrano improvvisamente, si fanno prima cupi e poi incredibilmente solari. Senza mai dire una parola, senza staccare gli occhi dalla pedaliera in un ondeggiare costante quasi in balia del vento, un battito cardiaco che reclama vita (Chris Hrasky: batteria monumentale). Il “primo respiro dopo il coma”.

Gli Explosions In The Sky sono questo: un momento che ognuno dovrebbe ritagliarsi, almeno una volta nella vita. Per prenderci cura di noi stessi, per fare il punto della situazione, per spolverare qualche vecchio ricordo, o solamente lasciarsi andare completamente e vedere dove si arriva. Assaporare la libertà. “Take care, take care, take care”, mano nella mano, la nostra nella loro, dal sorgere del sole fino a vedere la giornata che muore. Un concerto da perdere la testa, dolce e aggressivo, innamorato e triste, da cui si riemerge storditi quando tutto finisce e la voce Nina Simone rompe il silenzio: gli Explosions hanno detto grazie e si sono guadagnati il backstage. C’è chi ne vuole ancora, ma la serata si chiude com’era iniziata, con le parole di Rayani: “Grazie, grazie davvero, ma questa è davvero la fine. Come l’ultima scena di un film, avete presente? The end. Siamo molto stanchi, abbiamo dato tutto e tornare sul palco beh, a cosa servirebbe? Non sarebbe certo la stessa cosa. Grazie a tutti, torneremo presto, ve lo prometto”.

Una persona. Un libro. Un film. Un colore. Un sapore. Un’idea. Un luogo. Un ricordo. Un amico. Un disco. A volte basta un suono, per ricordarsi cosa si ama.

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Yasmine the light”

“Last known surroundings”

“Catastrophe and the cure”

“The only moment we were alone”

“Postcard from 1952”

“Greet death”

“Your hand in mine”

“The birth and death of the day”

“Let me back in”

Setlist

Our Perfect Disease
Kill The Director
Party In A Forest (Where’s Laura?)
Jump Into The Fog
Patricia The Stripper
How I Miss Sally Bray
Here Comes The Anxiety
Techno Fan
Schumacher The Champagne
Backfire At The Disco
1996
Moving To New York
My First Wedding
Tokyo (Vampires & Wolves)

Bis
Anti-D
Let’s Dance To Joy Division

Senza dire una parola, ognuno chino sul proprio strumento, spiazzano subito e presentano al pubblico milanese l’inedito “Change”, cantato da Deakin, mentre alle loro spalle uno schermo proietta immagini lisergiche. Poi tocca a “Stop thinking”, altro nuovo brano (vittima di una falsa partenza dovuta a qualche problema alla chitarra di Deakin, risolto senza l’ausilio di roadie), una specie di motivo tzigano intriso di elettronica acida e guidato dall’eclettica voce di Avey Tare sempre più “capo della cricca”. Questo è il succo degli Animal Collective: quando entrano in gioco, tutto diventa sogno, meraviglia, quasi un trip ad occhi aperti, e il tentativo di classificare i suoni del quartetto è tutt’altro che banale. Sarebbe un po’ come scrivere un articolo di cronaca partendo da un libro di Lewis Carroll.

Alla terza canzone ecco il primo pezzo conosciuto, accolto da una piccola ovazione: “Did you see the words”, tratto dall’album del 2005 “Feels”, dove fa capolino la splendida e più delicata voce di Panda Bear e il pubblico comincia a scaldarsi per bene. Come la band del resto, dopo un inizio con il freno a mano leggermente tirato. Forse, complice la complessità della loro musica e il fatto che la scaletta è composta quasi solo da canzoni nuove, serve solo un pochino di tempo per sintonizzarsi sulle giuste frequenze. Un discorso ugualmente valido anche per chi ascolta: superato il primo impatto, è più semplice (e piacevole) lasciarsi trascinare fino in fondo. Fatto che sta che il crescendo è innegabile e, lanciato dalla doppietta “A long time ago” / “Take this weight”, si manifesta alla grande con “Knock you down”, altro pezzo cantato da un Avey Tare in grande serata, che mette letteralmente al tappeto grazie ad una spirale di suoni elettronici fantastici. Il gruppo si conferma impeccabile anche dal punto di vista dell’esecuzione: Tare si destreggia tra synth e chitarra, Panda si occupa di percussioni e drum machine, Geologist pensa alla “regia” anche lui con i synth e Deakin suona la sua chitarra. E, da vero hippie moderno, balla ogni brano contento come un bambino, saltellando in lungo e in largo sul palco.

A conferma del fatto che ci troviamo nel momento migliore del concerto, arriva “Brothersport”, la prima delle (solo) due canzoni estratte dal quel piccolo capolavoro del 2009 che si chiama “Merriweather post pavillion”. Ora balla davvero tutto l’Alcatraz (per quanto possano far ballare gli Animal Collective, ovviamente).

Da qui in poi, con una scelta curiosa ma rispettabile, gli animaletti decidono però di stoppare il climax e mantengono un ritmo piuttosto basso: dopo le inedite “Mercury”, “Your choice” e “Frights”, spuntano altri due brani vecchi, “We tigers” e “Summertime clothes”, ma per il resto l’overdose di novità continua perfino nei bis, lasciandoci, dopo quasi un’ora e quaranta filata, con il duo stralunato “I’d rather”/”Little kid” a pensare e ripensare come sarebbe stato un finale diverso. Ma in realtà sbagliamo: la musica degli Animal Collective va presa così. È materiale sopraffino per creduloni sofisticati, per ascoltatori che non si fanno (e non devono farsi) troppe domande. Qui sta la magia di questi hipster newyorchesi: basta lasciarsi andare, abbassare la guardia e concedere le nostre orecchie. Al resto ci penseranno loro.

(Giovanni Ansaldo / Marco Jeannin)

SETLIST

“Change”

“Stop thinking”

“Did you see the words”

“A long time ago”

“Take this weight”

“Knock you down”

“Brothersport”

“Mercury”

“Your choice”

“Frights”

“We tigers”

“Summertimes clothes”

Encore

“I’d rather”

“Little kid”

Curt e Cris Kirkwood salgono sul palco intorno alla mezzanotte, accompagnati dal fido Shandon Sahm dietro ai tamburi. Il set dura la bellezza di un’ora e quaranta abbondante. Un set solido, aggressivo, meravigliosamente country, alternative, hardcore, a tratti lisergico e fondamentalmente un sacco divertente. Curt e Cris (il più sudato in assoluto) si divertono, si cercano e si trovano a meraviglia, lontani anni luce dal fare la figura dei bolliti in cerca di redenzione. In un susseguirsi di assoli sbilenchi e tirate di basso grondanti sudore a fiumi, arrivano in fila: “I’m a mindless idiot”, “Touchdown king”, le acclamatissime “Plateau” e “Up on the sun”, “Comin’ down”, “Sam”, “The monkey and the snake”, “Oh me”, “Backwater”, “Hot pink” (meravigliosa) e “Hey baby que paso”. Arrivati dove sono ora, i Meat Puppets se ne sbattono altamente della forma e badano ovviamente alla sostanza. Curt Kirkwood: “Abbiamo mai suonato a Brescia prima d’ora? Non ne ho davvero idea. I don’t care at all. Thank you very much”. “Lake of fire”, tirata all’inverosimile, è lanciata da una cover (accennata per scherzo da Curt e immediatamente ripresa da Cris) di “Sloop John B” dei Beach Boys, una combinazione letale ed esaltante. Doppio encore, con la strumentale “Seal whales” e “Lost” (quinto pezzo pescato da “Meat Puppets II”) messe sul piatto al primo rientro e la cover del classicone di Freddy Fender “Wasted days wasted nights” al secondo (cercato e voluto con insistenza dalla affettuosissima, anche se non troppo popolata, platea bresciana) e fine dei giochi.

Curt esce dal minuscolo backstage pochi minuti dopo la fine del set per firmare autografi e scattare qualche foto. Che cosa chiedere di più? I Meat Puppets sono vecchi, si vede ed è inutile negarlo, ma hanno dimostrato di meritare (e reggere) ancora un palco, e questa è stata in assoluto la conferma più importante. Non avranno più lo smalto dei primi tempi, ma poco importa: loro se la godono e fanno benissimo. Chi è venuto per sentire i tre pezzi grazie ai quali probabilmente raccolgono ancora gente ai concerti – perché la sensazione, alla fine della fiera, purtroppo è questa – ergo “Lake of fire”, “Plateau” e “Oh me”, è stato ampiamente accontentato. Per quanto mi riguarda lascio il Latte Più con una foto di me e Curt Kirkwood abbracciati, felici e coperti di sudore dopo un live che fino a ieri marciva nella lista dei desideri di una vita. Avevo quindici anni quando sono tornato a casa con “Meat Puppets II” nella borsa. Da allora non l’ho più mollato.

(Marco Jeannin)

SETLIST

“I’m a mindless idiot”

“Touchdown king”

“Plateau”

“Up on the sun”

“Comin’ down”

“Sam”

“The monkey and the snake”

“Oh me”

“Backwater”

“Hot pink”

“Hey baby que paso”

“Sloop John b” (Beach Boys cover)

“Lake of fire”

Encore 1

“Seal whales”

“Lost”

Encore 2

“Wasted days wasted nights” (Freddy Fender cover)

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Falling, catching”

“Philarmonics”

“Beast”

“Just so”

“Louretta”

“Brother Sparrow”

“New song” (Fuel to fire)

“Close watch” (John Cale)

“Katie cruel”

“Wallflower”

“Sons & Daughters”

“Riverside”

“Over the hill”

“On powdered ground”

“Smoke & Mirrors”

(Gabriele De Risi)

(Alfredo Marziano)

Set list:

“Come to me high”

“Am I forgiven”

“Saving grace”

“Slow”

“Blackbird”

“Sara smile”

“Take me as I am”

“Thankful”

“Aretha”

“You’ve really got a hold on me”

(Marco Jeannin)

(Marco Jeannin)

“Hey modern days”

“Clamour for glamour”

“Echo chamber”

“Breaking up with god”

“Father of a son”

“Drum solo”

“Superstar”

“Tell me this night is over”

“Disease”

“Prayer for the weekend”

“Let your body decide”

“Laurel Wreath”

“It takes a fool to remain sane”

“One of us is gonna die young”

“Patchouli”

“Stay with me”

“Calleth you, cometh I”

(Alfredo Marziano)

Setlist

“The world turned upside down”

“To have and to have not”

“The price I pay”

“Greetings to the new brunette”

“Tomorrow’s going to be a better day”

“Ingrid Bergman”

“Way over yonder in the minor key”

“A lover sings”

“NPWA”

“Sexuality”

“The battle of Barking”

“All you fascists”

“The Saturday boy”

“Must I paint you a picture”

“There will be a reckoning”

“The milkman of human kindness”

“Levi Stubbs’ tears”

“I keep faith”

“There is power in a union”

(bis)

“Tank park salute”

“A new England”

La scaletta:
“Terraferma”
“Il mio secondo tempo”
“Credi”
“Ogni estate c’è”
“Tu come il sole (risorgi ogni giorno)”
“Il mondo insieme a te”
“Sei fantastica”
“Lo strano percorso”
“Rotta per casa di Dio”
“Io ci sarò”
“Se tornerai”
“Come deve andare”
“Me la caverò”
“Quello che capita”
“Hanno ucciso l’Uomo Ragno”
“La dura legge del gol”
“Come mai”
“Tieni il tempo”
“Nord Sud Ovest Est”
“La regola dell’amico”
“Nient’altro che noi”
“Ti sento vivere”
“Eccoti”
“Una canzone d’amore”
“Nessun rimpianto”
“Con un deca”
“Gli anni”
“La regina del Celebrità”
“Quello che comunemente noi chiamiamo amore”
“Sei un mito”

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Bleed like there was no other flood”

“Tiny holes in this world”

“Under land and over sea”

“The lake”

“The well”

“Fight for me”

“The Drop”

“The course”

“Peeling off the layers”

Encore

“The wave”

(Giovanni Ansaldo)

SETLIST:

1.Pienso en Ti
2.Why Wait
3.Te Dejo Madrid
4.Whenever, Wherever
5.Inevitable
6.Nothing Else Matters (cover dei Metallica)
7.Despedida
8.Gypsy
9.La Tortura
10.Ciega, Sordomuda
11.Sale el Sol
12.Las de la Intuición
13.Loca
14.She Wolf
15.Ojos Así

Encore:
16.Hips Don’t Lie
17.Waka Waka (This Time for Africa)

(Valeria Mazzuca)

Setlist

“Rock2″

“Miami”

“Dimmi dimmelo”

“Ogni tanto”

“I wanna die 4 u”

“Perché”

“Dimentica”

“Ti voglio tanto bene”

“Io e te”

“Io”

“Profumo”

“Io e Bobbie Mc Gee”

“Volare” (cover)

“Possiamo sempre”

“Perfetto”

“Amandoti”

“Sei nell’anima”

“Notti senza cuore/ Una luce/ Donne in amore” (1° medley)

“Volo/ Scandalo/ Latin Lover/ Fotoromanza/ Bello e impossibile” (2° medley)

“I maschi”

“America”

“Meravigliosa creatura”

(Giovanni Ansaldo)

Setlist:
“Unluck”
“To care (like you)”
“Give me my month”
“Tep and the logic”
“I never learnt to share”
“Lindisfarne I/II”
“Klavierwerke”
“Limit to your love”
“Wilhelms scream”

Encore:
“Enough thunder” (inedito)

(Marco Jeannin)

SETLIST

“He gets me high”

“Hey Sis”

“Catholicked”

“I will be”

“Bhang Bhang, I’m a burnout”

“Take care of my baby”

“Jail la la”

“It only takes one night”

“Wrong feels right”

“Teardrops on my pillow”

“Everybody’s out”

“Lavender haze”

“Rest of our lives”

(Marco Jeannin)

SETLIST

“The wagon”

“Listen to me”

“Several shades of why”

“Circle of friends”

“Ocean in the way”

“Get me”

“Not the same”

“Not enough”

“Ammaring”

“Flying cloud”

“Can I”

“Repulsion”

“Not you again”

“Alone”

“Quest”

“Little fury things”

E è arrivato anche Giovanotti in giacca e cravatta, e ha cominciato a cantare “E’ questa la vita che sognavo da bambino?” e ho pensato che anche Giovanotti è stato bambino come me. Poi Giovanotti ha cominciato a correre ed è arrivato in mezzo alla gente e io pensavo che camminasse sulle teste della gente, ma il papà mi ha spiegato che c’era una passerella lunga in mezzo al palazzetto e Giovanotti correva su quella. Papà scriveva su dei fogli di carta i titoli delle canzoni: la seconda non la conoscevo e papà ha scritto “Falla girare”, e ha detto alla mamma che è una canzone da Buon sangue che è il titolo di un disco di qualche anno fa che io non ero ancora nato, e poi Giovanotti ha cantato tutte di fila canzoni che invece conosco perché sono nel disco Ora e sono La porta è aperta, Amami, L’elemento umano che tutta la gente ha cantato insieme a Giovanotti e La notte dei desideri. Intanto che lui cantava c’erano tante luci dietro ai musicisti perché c’erano sessantaquattro quadrati di luci che si accendevano e si spegnevano e dall’altra parte del palco c’era come una televisione ma grandissima dove si vedevano dei filmati e ogni tanto si vedeva Giovanotti che cantava, ma molto più grande di com’era lui sul palco. Ogni tanto uno dei musicisti si allontanava dagli altri, e soprattutto lo faceva uno un po’ strano tutto vestito d’oro, che papà mi ha detto che si chiama Saturnino e suona il basso, che è uno strumento che fa un bel rumore che senti con le orecchie ma anche con la pancia. Poi sulla televisione grande grande si sono viste delle parole che erano queste: Ricorderai d’avermi atteso tanto, e il papà ha detto subito che erano una poesia di Ungaretti che si intitola La madre, e ha detto e avrai negli occhi un rapido sorriso, ma sulla televisione grande è uscito solo e avrai un rapido sorriso, ma secondo me aveva ragione il papà perché lui ha fatto il classico, e comunque la canzone che è cominciata subito dopo è quella che il papà nel disco salta sempre perché tutte le volte che la sente si mette a piangere un po’ e io non capisco perché, e si chiama Le tasche piene di sassi, e papà ha detto alla mamma che Giovanotti quella canzone l’ha scritta per la sua mamma, non la mamma del papà ma la mamma di lui, di Giovanotti. E quando Giovanotti ha cantato Mi hai lasciato da solo davanti a scuola, mi vien da piangere, arriva subito, il papà ha fatto finta di niente per non farsi vedere dalla mamma ma si è asciugato gli occhi perché era venuto da piangere anche a lui. Poi le canzoni che sono venute dopo tutte le ragazze che c’erano lì le hanno cantate in coro, e sui suoi fogli il papà ha scritto Come musica e A te. Poi ha cantato un’altra canzone che conosco, che si chiama Ora, e poi è andato via ed è tornato con un altro vestito e ha cantato una canzone che piace anche alla mamma, e lo so perché una volta che eravamo in macchina col papà e c’era anche la mamma lei gliel’ha detto, e si chiama Tutto l’amore che ho. E qui è cominciato un altro pezzo del concerto con le canzoni forti forti come piacciono a me, e infatti ho cominciato anch’io a alzare il braccio e a tenere il tempo che sentivo con le orecchie e con la pancia, e le canzoni erano Io danzo, che è nel disco Ora, Tempo, Non m’annoio e Tanto, dove Giovanotti faceva le domande, chiedeva Come va il mondo? e la gente rispondeva Bene!, poi ha cantato una canzone che si chiama Battiti di ali di farfalla e intanto che lui cantava sulla televisione grande c’erano due Giovanotti che facevano a pugni, e quel pezzo del concerto è finito con una canzone che mi è piaciuta, e papà ha detto che è un pezzo sempre fortissimo, e la mamma cantava anche lei, e si chiama L’ombelico del mondo, dove c’erano tanti tamburi, e poi mi sono ricordato che una volta sul suo computer papà mi aveva fatto vedere il video di quella canzone lì e l’avevamo cantata insieme. Poi la canzone dopo è quella che papà dice sempre che è una delle più belle canzoni degli ultimi dieci anni e si chiama Mi fido di te, e adesso che l’ho sentita anch’io penso che il papà ha ragione.
Dopo tutti i musicisti sono venuti in mezzo alla gente sulla passerella con degli strumenti in mano e hanno suonato dei pezzetti di canzoni che non so se il papà ha scritto giusto, e ha scritto che erano Bella, Ciao mamma, Punto, Piove, Il capo della banda, Dabadabadance, Attaccami la spina e Una storia d’amore, dove si è dimenticato un pezzettino delle parole. Poi ha cantato Io lo so che non sono solo anche quando sono solo, che il papà ha scritto Fango ma secondo me si sbaglia perché anche la gente cantava Io lo so che non sono solo e rido e piango. E poi ha cantato la canzone che piace al papà che si chiama Quando sarò vecchio, però le parole non si capivano bene, e poi un’altra canzone che si intitola Ragazzo fortunato, dove a un certo punto ha detto Ci si schiaccia che papà ha detto che era una sua canzone vecchia vecchia e che era nel disco La mia moto, e si vedeva che Giovanotti era un po’ stanco perché erano quasi due ore che correva e saltava e cantava e continuava a cambiarsi i vestiti, e poi ha cantato Il più grande spettacolo dopo il big beng e il papà era molto contento e anch’io anche se ormai avevo un po’ sonno e in braccio alla mamma quasi mi stavo addormentando anche se c’era la musica alta alta. Mi ricordo solo che Giovanotti a un certo punto era tutto vestito di bianco e ha cantato una canzone che continuava a ripetere baciami ancora, baciami ancora, e alla fine sono quasi sicuro che ha cantato La bella vita perché mentre uscivamo e io proprio quasi dormivo sentivo il papà che ripeteva la bella vita l’afric sé scic, ma quando siamo saliti tutti sulla macchina grande nera io ormai ero proprio addormentatissimo, ma mi sono addormentato contento perché il concerto di Giovanotti mi è proprio piaciuto. E secondo me è piaciuto anche al mio papà e a tutti quelli che c’erano lì. (Edoardo Zanetti)

E se si esclude qualche problema di acustica, amplificato da uno spiacevole rimbombo ben udibile specialmente dalla zona mixer in poi, i Belle and Sebastian hanno offerto un ottimo spettacolo. Partenza lanciata con la nuova e divertente “I didn’t see it coming” giusto per scaldare l’ambiente, seguita a ruota da “I’m a cuckoo” e “Step into my office, baby” (due pezzi molto ben accolti presi direttamente da “Dear catastrophe waitress” del 2003), e dalla già citata “My wandering days are over”. Una scaletta costruita ad arte per amalgamare il vecchio e il nuovo nel modo meno traumatico possibile (solo tre pezzi di “Write about love” nel conto finale), giusto per cercare di accontentare un po’ tutti. Operazione sostanzialmente riuscita: da un lato riempie di gioia veder risplendere ancora dopo tanti anni pezzi come “Piazza, New York catcher”, “Dear catastrophe waitress”, “The fox in the snow” e l’inarrivabile “Sleep the clock around” (posta strategicamente in chiusura di set). Dall’altro è incoraggiante vedere come i nuovi arrivi, “I want the world to stop”, “I’m not living in the real world” (cantata in collaborazione con la platea dell’Alcatraz) e i comunque recenti “Sukie in the graveyard” e “The blues are still blue” (primo pezzo dell’encore), siano in grado di reggere il confronto con un così sfavillante passato.

Serata chiusa sulle note incalzanti di “Me and the major”: l’anno era il 1996, l’album “If you’re feeling sinister” e tutti noi, ahimè, avevamo quindici anni di meno.

In definitiva un’esperienza piacevole, senza dubbio divertente e a tratti affettuosamente malinconica, gestita e orchestrata al meglio da uno Stuart Murdoch particolarmente ispirato e di buon umore.

(Marco Jeannin)

SETLIST

“I didn’t see it coming”

“I’m a cuckoo”

“Step into my office, baby”

“My wandering days are over”

“I’m not living in the real world”

“Piazza, New York catcher”

“I want the world to stop”

“Lord Anthony”

“Sukie in the graveyard”

“The fox in the snow”

“Dear catastrophe waitress”

“I’m waking up to us”

“There’s too much love”

“The boy with the arab strap”

“If you find yourself caught in love”

“Simple things”

“Sleep the clock around”

“The blues are still blue”

“Me and the major”

(Marco Jeannin)

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Surfacing”

“Blind”

“Roads”

“Fine light”

“O maybe I”

“Bodies”

“Paper thin”

“All the eastern girls”

“Five trees”

“The shore”

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Last city in town”

“Fat city”

“Gunshot”

“She was stolen”

“I milanesi ammazzano il sabato”

“Too tought to die”

“Love”

“Annie Mae”

“Bonnie Brae”

“Get lucky”

“Teenage wristband”

“Candy cane crawl”

“Never seen no evil”

“On the corner”

“La vedova bianca”

Encore

“The killer”

“Waves”

“Hyperballad”

(Alfredo Marziano)

SETLIST

“In the Flesh?”

“The thin ice”

“Another brick in the wall pt. 1”

“The happiest days of our lives”

“Another brick in the wall pt. 2”

“Mother”

“Goodbye blue sky”

“Empty spaces”

“What shall we do now?”

“Young lust”

“One of my turns”

“Don’t leave me now”

“Another brick in the wall pt.3”

“The last few bricks”

“Goodbye cruel world”

(intervallo)

“Hey you”

“Is there anybody out there?”

“Nobody home”

“Vera”

“Bring the boys back home”

“Comfortably numb”

“The show must go on”

“In the flesh”

“Run like hell”

“Waiting for the worms”

“Stop”

“The trial”

“Outside the wall”

Alle 21.20 si chetano le luci e un pianista solitario introduce “Hometown glory”, nascosta dalle quinte la voce di Adele (veramente impressionante) intona “I’ve been walking in the same way as i did…” per poi raggiungere, circa un minuto più tardi, il centro del palco e portare a termine la canzone: piano e voce, una partenza da brividi, un piano da brividi, una voce da brividi. “Don’t you remember” e “Set the fire to the rain” mettono in risalto le capacità di una band che asseconda al meglio le mille sfumature vocali della ragazza. Le luci si attenuano nuovamente, Adele imbraccia una chitarra, si accuccia su uno sgabello e, rimasta sola, propone “Daydreamer”. Mi ritrovo a pensare che questa ventiduenne abbia classe da vendere e che ogni canzone sin qui proposta sarebbe un potenziale singolo, ne ho un’impressione ancora migliore di quanto già non mi avesse colpito su disco. “Rumour has it”, a mio parere è uno dei momenti migliori e più coinvolgenti della serata quando, mollati gli ormeggi, band e vocalist dispiegano tutta la loro grinta. Le rispettose cover di Cure (“Lovesong”) e Bob Dylan (“Make you feel my love”) vengono intervallate dal suo primo successo “Chasing pavements”. Un minuto appena di fuori scena per tornare là dove si era iniziati e chiudere idealmente il cerchio con i soli piano e voce per una stupefacente “Someone like you”, prima del gran finale con la superhit “Rolling in the deep”. Sono trascorsi 75 minuti, Adele saluta sorridente, soddisfatta e, pare, anche un poco emozionata. La prova è superata a pieni voti. Per essere perfetta manca un pizzico di presenza scenica – ma giusto un pizzichino -, ma comunque gran concerto!

(Paolo Panzeri)

SETLIST

Hometown glory

I’ll be waiting

Don’t you remember

Turning tables

Set the fire to the rain

Daydreamer

Steel drivers

My same

Take it all

Rumour has it

Right as rain

One and only

Love song

Chasing pavements

Make you feel my love

ENCORE<br>

Someone like you

Rolling in the deep

(Giovanni Ansaldo)

Setlist:

Matter of Time

Ghost Woman Blues

Burn

To the Ghosts Who Write History Books

Sally Where’d You Get Your Liquor From (cover di Gary Davis)

Hey, All You Hippies!

I’ll Take Out Your Ashes

To Ohio

Apothecary Love

This God Damn House

Home I’ll Never Be (cover di Jack Kerouac)

Boeing 737

Ticket Taker

Charlie Darwin

Encore:

Smart Flesh

Bird On The Wire (cover di Leonard Cohen)

(Marco Jeannin)

SETLIST

“Qwerty finger”

“Schoolin”

“MY KZ, UR BF”

“Hiawatha doomed”

“Leave the engine room”

“FInal form”

“Come alive Diana”

“NASA is on your side”

“Tin (the man hole)”

“Weights”

“Suffragette suffragette”

Encore

“Kimosabe”

“Photoshop handsome”

(Giovanni Ansaldo)

Scaletta:

Four Letter Word

Beatles and Stones

Millionare

For Anyone

The Roller

Wind Up Dream

Bring the Light

Standing on the Edge of the Noise

Kill For A Dream

Three Ring Circus

The Beat Goes On

Man of Misery

The Morning Son

Encore:

Sons of the Stage

(Marco Jeannin)

SETLIST

“The world is yours”

“It’s my own cheating heart that makes me cry”

“Shine like stars”

“Polmont on my mind”

“Be my baby” (The Ronettes cover)

“Moon river” (Audrey Hepburn cover)

“Euphoria, take my hand”

“Geraldine”

“Go square go”

“Ice cream van”

Encore:

“Flowers and football tops”

“S.A.D. light”

“Daddy’s gone”

(Rossella Romano)

Setlist

So far gone

Dangerous

Billy

Wisemen

Carry you home

These are the words

I’ll take everything

Out of my mind

Goodbye my lover

No tears

High

Superstar

Same mistake

If time is all i have

You are beautiful

so long jimmy

I’ll Be Your Man

Into the Dark

Stay the Night

Turn Me On

1973

Sabato 12. Inizio concerto schedulato per le dieci e trenta. Poco prima delle undici attaccano i Torquemada a fare da spalla e i Verdena salgono sul palco verso mezzanotte, dopo un interminabile cambio palco. Di sabato si può parlare come di una di quelle serate in cui già alle prime battute ti rendi conto che c’è qualcosa che non gira. La prima ora di concerto è martoriata da una serie di problemi tecnici che rendono nervoso Alberto, notoriamente pignolo nel suo mestiere, rendendo disomogeneo il live. Un viavai quasi continuo di tecnici alle prese con un sound che non ha intenzione di ingranare: servono tre false partenze (accompagnate da altrettante occhiatacce di Alberto) prima di poter sentire “Nuova luce”. La band è nervosa, è chiaro, non soddisfatta della prestazione. La maggior parte della platea sembra però non preoccuparsi dei problemi on stage: la predisposizione è talmente buona che i Verdena potrebbero steccare tutta sera e probabilmente nessuno si metterebbe a fischiare. Una sensazione che la dice lunga sul credito che la band bergamasca ha accumulato con la pubblicazione di “Wow”. La seconda metà del concerto invece è di tutt’altra pasta. I problemi sembrano essersi risolti, e parte anche qualche sorriso. Molto bene dunque “Miglioramento”, “Le scarpe volanti” e “Ovunque”, accolta con un boato. Il sospetto che la platea bresciana si faccia prendere però solo dai Verdena prima maniera, quelli di “Verdena” e del “Suicidio del samurai”, è netto: i Verdena sono cresciuti, hanno tredici anni in più e cinque dischi sulle spalle, ma i presenti al Latte Più sono un po’ tutti fermi al 1997, e ci scommetto, avrebbero fatto carte false per sentire “Valvonauta”. Il set si chiude in crescendo con l’ottima “Isacco nucleare” e “Morbida”, prima di lasciare spazio all’encore dove va segnalata una spettacolare “Il gulliver”. Eccoli qui i Verdena di cui tanto si era sentito parlare: pesanti, affascinanti e letali. Finale con “Lei disse” e “12,5 mg” con il solo Luca rimasto sul palco. Una serata con più ombre che luci e condizionata pesantemente dai problemi tecnici. Verdena ridimensionati da una sufficienza piena guadagnata solo nel finale. Promosso invece a pieni voti Luca alla batteria: il suo personale show di smorfie evidentemente è una garanzia di qualità.

Domenica 13. Tutto un altro paio di maniche. Ad aprire ci pensano i piemotesi Fhu, una mezz’ora buona che si chiude intorno alle dieci e un quarto. Il set dei Verdena è anticipato alle dieci e quaranta (domenica è sempre domenica), per la durata oramai standard di quasi due ore. Nessun problema tecnico questa volta, e tanta, tanta qualità. La band gira, il suono arriva pulito e corposo e tutto va come dovrebbe: una bella differenza rispetto a sabato. Setlist che si fregia della presenza di pezzi come la meravigliosa “Nova”, “Logorrea” e in chiusura “Il caos strisciante”, ed encore in cui spicca la trionfante “Luna”, ai vertici del gradimento bresciano. Alberto chiacchiera e si diverte con le prime file: un’altra persona rispetto al giorno prima. Incazzatura nel dimenticatoio anche per Roberta e Omid, finalmente più presente e integrato a proprio agio on stage. Per quanto riguarda Luca, qui vanno solamente rinnovati i complimenti a un batterista di grandissimo livello. Accontentato anche chi chiedeva alla band “più linguaggio del corpo” sul palco, quella di domenica va registrata come una seconda data superiore alla prima in tutto, che ha regalato momenti altissimi nonostante il caldo torrido del locale bresciano. Peccato ancora per la platea, composta in parte da gente poco interessata alla musica (soprattutto ai pezzi più recenti), e più votata alla ricerca del pogo a tutti i costi: a questi signori si consiglia un bel greatest hits ad hoc da ascoltare in automobile.

In conclusione: due date, due concerti molto diversi. I Verdena visti a Brescia sono una band matura, al culmine del loro successo e vederli oggi vuol dire toccare con mano questo apice, goderseli al top. In una situazione del genere, il rischio di lasciarsi prende dall’entusiasmo è però fin troppo facile. Il trio bergamasco è sicuramente una delle migliori realtà italiane attualmente in circolazione, e “Wow” ha innegabilmente segnato un passo importante nella maturazione del gruppo. Il sabato del Latte Più ha però riportato sulla terra i Verdena dopo un’indigestione continua di elogi. E forse è stato un bene: da grande band si sono ripresi nel giro di ventiquattr’ore, regalandoci un set pressoché perfetto.

(Marco Jeannin)

SETLIST

Sabato 12

“Adoratorio”

“Scegli me”

“Per sbaglio”

“Rossella Roll Over”

“Il tramonto degli stupidi”

“Non prendere l’acme, Eugenio”

“Badea blues”

“Nuova luce”

“Lui gareggia”

“Canos”

“Spaceman”

“Muori delay”

“Il nulla di O.”

“Castelli per aria”

“Canzone ostinata”

“Razzi arpia inferno e fiamme”

“Miglioramento”

“Le scarpe volanti”

“Ovunque”

“Loniterp”

“Isacco